А не поговорить ли нам о МУЗЫКЕ всякой-разной? Расскажу о многом и многих(как из мира классической музыки,так и музыки разных направлений-персоналии,дискографии,чаты лучшей музыки и многое-многое другое...) Пишем,спрашиваем-постараюсь ответить....
Добавлено (04.02.2012, 16:13) --------------------------------------------- P.S. В активе-огромная фонотека,информационная база....и много чего еще(даже сам уже не знаю,что есть в коллекции,-думаю с Вашей помощью,уважаемые форумчане-проведу "ревизию" своих подборок и коллекций)...
Cовременную гитарную музыку породил рок-н-ролл, знают все, но менее известно, что примерно до начала 60-х годов перегруженный звук в роке гитаристами не употреблялся. Считалось, что электрогитара должна звучать как гитара обычная - просто громче, сочнее и ярче. Любой фон или искажение воспринимались как «срач», как брак настройки звучания. (Справедливости ради стоит сказать, что еще в середине 30-х годов некоторые черные блюзмэны чуть «прифуживали» свои «доски», но это считалось чисто блюзовым выпендрежем и никак не влияло на остальные музыкальные стили.)
Понемногу, с развитием гитарной и звукоусилительной техники, гитаристы-новаторы стали экспериментировать с ручками громкости и частоты своих инструментов и «усилков». А это, в свою очередь, повлекло изменение приемов игры, ведь "овердрайв" - не шестиструнка.
Аккомпанирующий состав групп тоже стал подстраиваться под новое звучание и приемы, затем гитара постепенно вышла на первый план и из не самого заметного аккомпанирующего инструмента превратилась в королеву бала, задвигая порой даже вокалиста. Неугомонные экспериментаторы начали обрабатывать перегруженный звук дополнительными приборами - эквалайзером для изменения частоты, фейзером или хорусом для игры с модуляцией, ревербератором для придания глубины - ну и так далее.
Понемногу для плотности и разнообразности партий в группах стали появляться вторые - а там и третьи гитаристы (что по меркам старых музыкантов было просто дикостью), музыка стала упрощаться, но приобретать бoльшую мощь, ритм-секция начала уделять серьезное внимание прокачке общего звучания, в обиход плотно вошли риффы - короче, маховик завертелся. И вертится до сих пор...
Гром греми!!!
Сам термин, которым часто обозначают всю "тяжесть", - металл - пришел из сфер, от музыки довольно далеких. Впервые в культурном контексте словосочетание "heavy metal" применил в романе "Naked Lunch" (1959) легендарный Уильям Берроуз. Он назвал так жесткую, агрессивную, напористую музыку (дело в том, что еще во время Второй Мировой на американском солдатском жаргоне "heavy metal" обозначало артиллерийскую канонаду).
В 1968-м парни из известной американской группа Steppen Wolf в песне "Born to be wild" тоже пели "I like... heavy metal thunder" - и хотя в песне имелись в виду раскаты грома, подобные пальбе из пушек, позже это стало расцениваться как манифест хайратых: "люблю, мол, когда хэви металл гремит". А уж после того, как музобозреватель журнала "Creem" Лэстер Бэнгз использовал в статье словосочетание "heavy metal", эта связка окончательно стала обозначением нового музыкального направления. Уточнение "heavy" в итоге отмерло, но суть-то осталась. Громче, яростнее, оторваннее. Пусть, так сказать, гром гремит и кусты трясутся.
От харда к хэви через панк.
Года с 1965-го тяжелые гитары на сцене появляются все чаще и чаще. Группы типа Kinks, Who, Cream, a также составы Джеффа Бека и Джимми Хендрикса стали переосмысливать американский блюз и рок-н-ролл, все более ужесточая и ускоряя его звучание. Таким образом и стал формироваться хард-рок - дедушка современного металла.
Затем в Америке и Англии - основных на тот момент рок-н-ролльных странах - ритмы стали ускоряться еще сильнее, а звучание гитар уплотняться еще больше. Закладывали основы музыки будущего такие парни, как Deep Purple, Budgie, Black Sabbath, AC/DC, а театральность, свойственную металлу вообще, привнесли Элис Купер, T-Rex и, конечно, великие и ужасные Kiss. Считается, что уже в середине 70-х эти ребята играли т.н. "glam-metal", или глэм. Его основные признаки - это именно театрализованность, грим, прически, мощное шоу... Нельзя сказать, что музыка глэмеров была уж очень тяжелой, - но любовь к красочности, различным кладбищенским символам, пафосу и понтам они металлическому року все-таки подарили.
Ближе к концу 70-х, с появлением панк-рока, уже растерявший свою академичность хард-рок и вовсе изменился - музыка стала еще быстрее, еще грязнее и еще громче. И хотя мода на ранний панк быстро прошла, музыкальные идеи остались на сцене: хард-рокеры постепенно изменили свои музыкальные взгляды, и на стыке "нового" хард-рока и "скоростного" панка возникла более жесткая и техничная музыка, чем панк. Основными ее принципами были старые добрые догмы: еще громче, еще быстрее, еще брутальнее. Короче, хард-рок кончился. Начался хэви-металл.
А в чем разница?
Стоит врубиться вот во что: хард-рок в принципе будет полегче, он не такой мрачный, как хэви-металл, не такой пафосный. Хард-рокеры не поют о загробном мире, и вообще они ребята более жизнерадостные. Хард-рок, как правило, гораздо более техничен и сложен музыкально: если в хэви рифф часто является единственной основой для песни, то в харде он просто разнообразит аранжировку и часто просто несет функцию "моста" (бриджа) между припевом и куплетом. Ударные в хард-роке не молотят так часто, гитаристы не чешут так плотно - ну, короче, все подарки от панк-рока достались металлу. А вот хард – музыка более жизнерадостная, более ритмичная и сложная.
Первопроходцы и пионеры.
Одними из первых альбомов легендарного хеви-металла 80-х стали диски немцев Accept "I`m Rebel" (1979) и англичан Judas Priest "British Steel" (1980). Вслед за ними оформилась целая волна хеви-металла, в которой немалую роль играли британцы - Iron Maiden, Saxon, Motorhead. Затем свои металлисты появились везде: Twisted Sister и Manowar в Америке; Accept, Bonfire, Scorpions в Германии; Trust во Франции, легендарная шведская Europe, чуть позже (1984-1986) - наши "Ария", "Шах", "Черный Обелиск"... Металлическая "зараза" молниеносно распространилась по свету, и тяжелые квинты зазвучали даже в Японии и Индии.
Между прочим, многие из групп тогдашней волны так или иначе использовали хард-роковые наработки 70-х. Например, группа AC/DC пришла в очень тяжелый хэви именно из хард-рока. Поэтому ранние работы металлистов часто называют еще "хард-энд-хэви" (металлизированный хард-рок), поскольку хард-рок и хэви-металл в них в разных пропорциях объединены.
Эволюция продолжается.
Классический Heavy-Metal, породив таких монстров рока, как Iron Maiden, Judas Priest, Twisted Sister, Accept и т.д., быстро осознал себя как мощный и четко сформированный стиль. Он и посейчас остается одним из феноменов массовой культуры - до сих пор такого взрыва популярности и продаж не было практически ни у одного стиля (не берем в расчет поп и диско, эти - всегда вне конкуренции).
Мерзкий и быстрый.
Ускоренная версия heavy-metal с многочисленными гитарными "поливами" была названа Speed-Мetal (от слова "speed" - скорость). В Америке на базе хэви был придуман трэш (thrash-metal), отличающийся отрывистым звучанием гитар, частыми изменениями ритма и рычащими голосами вокалистов. Самые известные трэшеры - Metallica, Megadeth, Anthrax, Kreator и Slayer. Хотите познакомиться с трэшем тех времен - послушай ранние диски Metallica, Anthrax, Metal Church или Bathory.
Мощный и смертельный.
На стыке хэви и спида появился т.н. Power-Metal - это будет помелодичнее и полегче. Упор на красивые мелодии и стихи, пышное и симфоничное звучание. Самый яркий представитель power-металла - патриархи немецкой сцены Helloween и Gamma Ray. Финской - Stratovarius. Современники: Sonata Arctica, SkyLark, Warmen (проект Янне Вармена - клавишника Children Of Bodom, тоже сюда отнесу, и целая куча других.
Более экстремальной смесью трэша и спида стал Death-Metal. В нем особенно много внимания уделяется звучанию - для создания соответствующей атмосферы гитаристы убирают всю среднюю частоту звука, а низкие частоты выставляются на максимум. Главный принцип дэт-металла - никакой попсовой мелодики, никакого пения - только экстремальное звучание, жесткий перегруз и брутальность! Коллективы: Death, Cannibal Corpse, Vader.......... В обязательном порядке следует упомянуть так же и Melodic-Death-Metal - в этом течении вполне по-силам выделить мелодию (и совсем не примитивную!) из песни, что бы потом ее напевать. Банды: In Flames, Children Of Bodom, Kalmah, Cadacross, Kalisia, Suidakra, Dark Tranquillity...
Экстрим.
Grindcore/Deathcore. Grindcore - стык панка и трэша. Отцами стиля являются англичане Napalm Death. Характерные черты стиля: очень короткие "песни" - вплоть до 3-5 секунд, максиммум - 2 минуты. Взрывы металлического шума, гитарная и ударная техника на пределе человеческих возможностей, сопровождаемые кровохарканьем в качестве вокала. Тексты песен часто посвящаются социальной и политической несправедливости и прочим подобным вещам. Никого кроме Напалмов не знаю
Мрачный и судьбоносный.
Black - "черный", или "мрачный", металл зародился благодаря группе Venom. Собственно, их альбом "Black Metal" (1983) и дал название всему течению. Этот стиль несколько похож на трэш/спид/дэт, но имеет более "размытое" звучание. Здесь тоже не принято особо петь, больше - рычать, однако весьма часто гроулинг сочетается с чистым вокалом (как мужским, так и оперным женским, но это касается прежде всего симфо-блэка). В обычае использовать клавишные для создания фона и иногда для соло. Блэк удачно смешивается с Gothic/Doom металлом, и сегодня это - преимущественно жесткая, но мелодичная музыка с фольклорными мотивами и частым использованием дополнительных музыкальных инструментов. Самые известные на сегодняшний день блэк-металл команды - Cradle Of Filth, Dimmu Borgir, Immortal...
Doom-Metal - своеобразный отпрыск блэк- и дэт-металла. Медленный, мрачный и депрессивный. Единственный неагрессивный, даже расслабленный стиль металла. Здесь велика роль клавишных, часто используются нехарактерные для металлического рока инструменты - флейты, скрипки. Сейчас редко встретишь представителей чистого Doom, больше распространен гибрид Doom и Black - Dark-metal. В стиле Dark-metal лабают Katatonia, Samael, Graveworm (Обязательно послушайте их кавер на Iron Maiden - Fear Of The Dark) и др.
Народный.
Рagan - "языческий" Мetal - основан на обрядовой мелодике дохристианской эпохи северных народов. Часто используются народные инструменты - гусли, балалайки, а также фольклорные мелодические и гармонические ходы. Ну, и соответствующие языческие темы песен. Ярчайшими представителями этого стиля в России - являются Северные Врата.
В противоположность ему Classical и Neo-Classical Metal базируется на европейской музыке средних веков - как церковной, так и светской. Строго говоря, металлисты вообще всегда любили классику, уже в самых ранних записях Deep Purple - Лорд (бывший церковный органист) применял полученные навыки, а уж цитату из Бетховена в соло из легендарной песни "Metal Heart" группы Accept не слыхал только глухой.
Готический и прогрессивный.
Современный Gothic-Metal не сильно похож на своих предшественников из конца 80-х, он сильно изменился с выходом The Gathering "Mandylion", Lacrimosa "Inferno" и Wish "Monochrome". Сейчас готик-металл - это более мягкая смесь дэта и дума. Характерные черты - чистый вокал, обилие клавишных, меланхоличная депрессивная атмосфера. Стоит послушать альбомы таких групп, как Lacrimosa, Crematory и MoonSpell. (Хима-Расмуса не будет. 14-15 летние девочки-готки могут начинать орать).
Дети подземелья.
В 90-х годах металл гибридизировался еще больше, причем так называемая "альтернатива" (Alternative-Metal) стала одной из наиболее продаваемых форм металла вообще. Затем металл стал скрещиваться с гранджем (grunge), индустриальной музыкой (industrial) и даже хип-хопом - в плане ритмики. А в конце концов из всей этой мешанины выкристаллизовался самый новый металлический стиль, который так незамысловато и называется - "Новый металл".
Nu-metal, начал формироваться в начале 90-х, с выходом дисков Korn и Deftones. Nu-metal - дитя своего времени - всеяден и беспощаден: в нем, как в блендере, смешивается все - хардкор, рэпкор, трэшкор, грандж, альтернатива и что-нибудь еще по вкусу. Причем все это в итоге приобретает вполне съедобный (для некоторых) вид. А в целом - ботва. Самые известные банды Nu-metal - Korn, Linkin Park, System of a Down, Limp Bizkit, Machine Head, Slipknot, P.O.D. и многие другие. barracuda18659
Блюз. Блюз называют прадедушкой всех музыкальных жанров рок-музыки. Блюз как музыкальное направление зародился в США на основе народной музыки афроамериканцев. Блюз сыграл решающую роль в формировании таких музыкальных направлений как джаз и рок-н-ролл. Афроамериканское население США продолжительное время находилось в рабстве, которое было отменено лишь в 1863 году. Афроамериканцы долгое время были людьми второго сорта. Белые рабовладельцы старались подавлять африканские традиции, но до конца истребить африканскую культуру не удалось. Однако отчаяние и упаднические настроения афроамериканской части населения США нашли выражение в особой форме музыкального искусства, которая получила название «блюз». Блюз – это грустные песни чернокожих рабов США. Блюз – это особое состояние души, это музыка настроения, музыка одиночества и обреченности, тоски, неустроенности жизни чернокожего человека, который был не равен белым рабовладельцам. Но нельзя говорить о том, что блюз – это исключительно музыкальная форма выражения уныния. Блюз являлся формой выражения жизненного опыта, в котором могла быть ирония и юмор. Блюз давал надежду на лучшую жизнь, был средством излить душу бродяги. Это были куплеты, которые соответствовали 12 тактовой форме, которая носит название «блюзового квадрата». Такт был основан на последовательности «тоника-тоника-тоника-тоника-субдоминанта-субдоминанта-тоника-тоника-доминанта-субдоминанта-тоника-тоника». При этом для блюза характерно особое интонирование с элементами глиссандирования, «подтяжками» звука (бэндами) и особым приемом исполнения, который использовался на струнно-щипковых инструментах и назывался «bottleneckslide». Тексты также были типизированными и представляли собой двойное повторение первой строки, которая содержала обычно событие, и вторую строку, в которой выражалось отношение к этому событию. Эта форма блюза называется традиционной, архаической, простодушной. Традиционный блюз появился в дельте реки Миссисипи в первые десятилетия 20 века. Пионерами сельского блюза были Чарли Патон, Сон Хаус, Роберт Джонсон. Традиционный блюз составляет основу классического блюза. Классический блюз сформировался в конце 19 начале 20 века, когда темнокожее сельское население в поисках работы постепенно стало перемещаться в города. Классический блюз – это оркестровые интерпретации традиционных народных блюзов. Он получил широкое распространение в 20-е годы 20 века. Классический блюз отличался от традиционного формой распространения: классические блюзовые композиции записывали в нотах, в то время как традиционный блюз представлял собой откровенную импровизацию и являлся свободной формой самовыражения для каждого отдельного деревенского музыканта. В 1920 году появились первые записи классического оркестрового блюза. Одним из таких шедевров стала песня «Сумасшедший блюз» («Crazy Blues»), которую записал на фонограф Мамми Смит. Но постепенно классический блюз вытеснили появившиеся позднее записи традиционного деревенского (сельского) блюза. Своим распространением он обязан музыкантам Уильяму Хенди (W.C.Handy), Гертруде Ма'Рейни (Gerthrude Ma'Rainy), Ч. Хиллу и Бесси Смиту (Bessie Smith). В это время складываются разновидности блюза: техасский, Чикаго-блюз, джампл-блюз, кантри-блюз, соул-блюз, зайдеко, уэстсайд-блюз, лайт-блюз, нео-блюз. Блюзы первоначально исполняли на акустических гитарах, банджо в сопровождении губной гармоники или аккордеона. В блюзовой музыке в довоенное время постепенно формировалось новое для того времени музыкальное направление «джаз».Это истоки классического блюза, который в 30-е - 40-е годы с появлением электрических музыкальных инструментов породил один из самых мощных блюзовых жанров «ритм-н-блюз». Ритм-н-блюз получил развитие лишь после Второй мировой войны. В результате того, что белые музыканты Билл Хейли, Элвис Пресли в конце 40-х годов 20 века предпринимали попытки исполнить старые блюзовые произведения в новой форме подачи, возник рок-н-ролл. На 60-е годы приходится расцвет белого ритм-н-блюза, представителями которого стали «Alexis Korner Blues Incorporated», «John Mayall's Bluesbreakers», «Rolling Stones», Эрик Клэптон. В этот же период на основе упрощения ритм-н-блюзовой манеры исполнения и ужесточения звука формируется хард-рок. Появляются «Led Zeppelin», «Deep Purple», «Black Sabbath» и другие представители этого музыкального направления. Но блюз в 60-е годы не угасает. С уходом легендарного блюзмена Джона Ли Хукера на первый план выходит выдающийся блюзовый музыкант Кенни Уэйн Шеферд. Так блюз как музыкальное направление дал мощнейший толчок к развитию многочисленных музыкальных жанров, ярчайшими из которых стали джаз, рок-н-ролл, ритм-н-блюз, а в последствии и хард-рок. barracuda18659
Ритм-энд-блюз. Ритм-энд-блюз – мощнейшая ветвь развития блюзовой музыки, которая сформировалась в конце 30-х годов 20 века, а наиболее широкое распространение получила после Второй мировой войны. Расцвет ритм-энд-блюза приходится на 50-е – 60-е годы. Развитие ритм-энд-блюза было связано с несколькими факторами. Во-первых, значительная часть чернокожего населения США в 30 годы стала переселяться из южных сельских районов страны на север в города. Среди южан-бродяг были кантри-блюзовые музыканты. Они искали на севере работу, часто играя блюз в барах и клубах. Работу было получить непросто. В то время блюз был музыкой второго сорта. Его презирало белое население, которое впоследствии с огромным желанием примет джаз, сформировавшийся на основе блюза. Парадокс!!! Постепенно блюз перекочевал из деревень в клубы и бары больших городов. В города с юга приехали такие известные блюзовые музыканты как Ти-Боун Уокер, Би Би Кинг, Луис Джорден, Джо Тернер, Мадди Уотерс, Элмор Джеймс и Хаулин Вулф. Во-вторых, формирование ритм-энд-блюза связано с развитием промышленности и появлением электрических музыкальных инструментов: электрогитар и электроорганов. Позже появились и бас-гитары. Доминантные позиции в сфере американской музыкальной индустрии занимали биг-бэнды – огромные оркестры, которые исполняли музыку в клубах и на танцплощадках. Ансамбли музыкантов, состоящие из 4 – 6 человек, не могли конкурировать с биг-бэндами хотя бы по громкости звучания. Но с появлением электрических музыкальных инструментов все изменилось: биг-бэнды стали для владельцев развлекательных заведений невыгодны. Электроника, микрофоны, усилители, мощные динамики позволили получить усилиями меньшего количества музыкантов более мощный и громкий звук. Теперь оказались не нужны биг-бэнды. Небольшие блюзовые коллективы получили возможность показать себя на публике. Кроме этого, с появлением электропроигрывателей, которые пришли на смену граммофонам, угасла традиция домашнего музицирования. У людей появилась возможность купить проигрыватель и наслаждаться музыкой, поставив любимую пластинку. Нотная отрасль промышленности практически разорилась: ноты просто перестали покупать. Расцвет ритм-энд-блюза приходится на 50-е – 60-е годы 20 века. Ритм-энд-блюз завоевывал свои позиции постепенно. Легендой ритм-энд-блюза считается Роберт Джонсон, который в конце 20-х в начале 30-х годов успел записать несколько композиций, в числе которых была знаменитая песня «Перекресток» («Crossroad»). Эта песня впоследствии непременно исполнялась многими блюзовыми музыкантами в концертах. Известными первопроходцами блюза былиЧарли Паттон, Блайнд Лемон Джефферсон, Джон Слипи Истиз, Биг Билл Брунзи. В 30-е – 40-е годы выдающимся блюзменом был гитарист Мадди Уотерс. Он был выходцем с территорий дельты реки Миссисипи (США), откуда и началось великое шествие блюзовых музыкантов по всему миру. Мадди Уотерс трудился на плантациях хлопка. Он сочинял блюзы. Известный собиратель фольклора Алан Ломакс услышал блюзы Мадди Уотерса. В 1943 году Уотерс стал жителем города Чикаго. Он работал на бумажной фабрике. С 1944 года Уотерс, приобретя электрогитару, стал исполнять свои блюзы в барах и клубах Чикаго, расположенных преимущественно в негритянских кварталах. Другим пионером ритм-энд-блюза стал Артур Кардап, который также покорил Чикаго в начале 40-х годов. Однако любимцем публики в то время Кардап не стал. Его оценили лишь в конце 60-х годов – начале 70-х годов после выхода его альбома "The Father of Rock and Roll" ("Отец Рок-н-ролла"). Композиции Кардапа стали толчком к головокружительной карьере для Элвиса Пресли. К песням Кардапа не раз обращались Элтон Джон, Тина Тернер, Род Стюарт, Джонни Литл и многие другие музыканты. В послевоенное время (1945-1947 годы) на первом плане ритм-энд-блюза появляется чернокожий блюзмен Луис Джорден и его команда «Tymрany Five». Джорден исполнял преимущественно традиционный кантри-блюз и джаз. Но позже проявил себя и в ритм-энд-блюзе. Он был кумиром великого рок-н-ролльного музыканта Чака Берри. Луис Джордон стал прообразом героя фильма Клинта Иствуда «The Bird», который рассказывал о выдающемся джазовом музыканте Чарли Паркере. Он является основоположником бибопа – элитарного стиля джазовой музыки. В фильме Паркер видит потрясающего саксофониста с ритм-энд-блюзовым коллективом. Прототипом этого саксофониста и стал Луис Джорден. Чарли Паркер слышит ритм-энд-блюз, он кажется Паркеру примитивным и простым, по стравнению с бибопом. Но в то же время Чарли Паркер понимает, что ритм-энд-блюз завораживает публику. В 40-е годы ритм-энд-блюз старался пробиться к сердцам белого населения США. В этом процессе не последнюю роль сыграли музыканты, которых нельзя назвать чисто блюзовыми Этель Уотерс, Лина Хорн, Билли Экстайн, Сэмми Дэйвис, Фэтс Домино и, конечно же, певец Нэт «Кинг» Коул со своими известными композициями «Too Young» и «Рretend». Певец старался сохранять нейтралитет по отношению к расовым проблемам, за что был жестоко избит в собственном штате Алабама.
Термин «Rhythm and Blues» впервые появился в 1949 году в июньском выпуске журнала «Billboard». Наконец-то, состоявшуюся ритм-энд-блюзовую музыку назвали. В чем же характерные особенности ритм-энд-блюза? Первое, что бросается в глаза, новый блюз перестал быть музыкой уныния, разочарования и жалоб на несложившуюся жизнь. Он потерял камерность, интимность и превратился в развлекательную, танцевальную, живую, громкую, агрессивную музыку, которая создает позитивное настроение. Можно говорить о коммерциализации блюза, который стал ориентироваться на потребителя, каковым была широкая аудитория, жаждущая развлечений. Из вечного нытика блюз превратился в позитивного шоумена. Ритм-энд-блюз унаследовал от традиционного блюза ладово-мелодическую основу. В центре остался двенадцатитактовый блюзовый квадрат, который, однако, лишился всяческих усложнений. Остались незыблемыми блюзовые ноты – пониженные третья, седьмая и пятая ступени. Особенностью этих нот является то, что они исполняются особым образом – это скользящий и ратягивающийся в пространстве звук, высоту которого блюзмен ощущает внутренним особым седьмым, восьмым …чувством. Блюзовые ноты невозможно исполнить на инструменте с постоянным строем. Их исполняют на духовых или на струнных инструментах. Тональность для исполнения композиций определяется во многом удобством игры на гитаре. Пьесы исполняются преимущественно в тех тональностях, которые позволяют оставлять струны открытыми: ми-диез, ля-диез, ре-диез, соль-диез. В ритм-энд-блюзе часто используется «стоп-тайм»: двухтактовая пауза после первой ноты композиции. Во время паузы партию исполняет только солист. Через два такта мелодию подхватывают остальные музыканты. Хотя в ритм-энд-блюзе используются тональности, удобные доля гитариста, часто в ансамблях присутствует и саксофон. Блестящими ритм-энд-блюзовыми саксофонистами были Иллинойс Джекет, Хэл Сингер, Максвелл Дэйвис, Джек Мак Ви и Уайлд Билл Мур. Отличается ритм-энд-блюз прежде всего ритмической основой. Акценты музыканты делают на слабые доли такта: на вторую и четвертую. Но весь смак ритм-энд-блюза заключается в более мелких ритмических прорисовках. Это, прежде всего, свинговый триольный ритм, который является наследием джаза. Что такое свинг? Свинг – это оттяжка ноты. Несмотря на то, что в партитуре две восьмые ноты равны по длительности, музыкант несколько затягивает одну из них. В результате следующая нота получается короче. Такое раскачивание мелодии называют свингом. Музыканты делятся на тех, кто обладает чувством свинга, и тех, кто свинговать не умеет. Последние не способны исполнять настоящий блюз и джаз. barracuda18659
«Rolling Stones» Динозавры рок-музыки, группа-долгожитель, которая не сопоставима ни с кем, кроме, пожалуй, «The Beatles». В конце 60 в начале 70-х годов роллинги провозгласили себя «величайшей рок-н-ролльной группой в мире». В это же время сформировался стиль музыки, которую они исполняли: это был чикагский блюз с элементами ритм-энд-блюза. История группы началась в Дартфордской начальной школе, где встретились Мик Джеггер и Кит Ричарде. Им нравился блюз и ритм-энд блюз. К ним присоединился гитарист Дик Тейлор. Брайан Джонс – четвертый участник группы – вообще не появлялся в школе. Он занимался музыкой, играл на саксофоне и кларнете. В шестнадцать лет он успел заделать двух детей и скрыться от них в Скандинавии, где стал заниматься на электрогитаре. После возвращения в Лондон он завел знакомство с блюзменом Алексисом Корнером и начал играть в его команде «Alexis Korner's Blues Inc.». После этого Брайан Джонс некоторое время работал в блюзовых клубах. В группу «Blues Inc.» пришли Мик Джеггер и Кит Ричарде. Компания поселилась в одной квартире в Лондоне. Музыканты записали демо-версию своих блюзовых композиций, которую представили продюсерам. Но демка продюсерам не приглянулась. Иэн Стюарт – один из участников команды – кормил безработных музыкантов. Дик Тейлор покинул группу. Джеггер, Ричарде и Стюарт придумали себе название «The Rolling Stones». Название было заимствовано из одноименной композиции Мадди Уотерса. Состав группы постоянно менялся. В 1962 году ее участниками были Мик Джеггер, Кит Ричарде, Брайан Джонс, Дик Тейлор и Мик Эйвори. Тейлора сменил бас-гитарист Билл Уаймен, место Эйвори занял барабанщик Тони Чемпен, который совершенно не владел инструментом. В 1963 году его сменил Чарли Уоттс.
Группа подписала контракт на восемь месяцев с Джорджио Гомелски, который некоторое время и был, как бы это назвали сейчас, продюсером группы. Позже его место занял Эндрю Луг Олдхэм, которому и пришла в голову мысль, чтобы роллинги составили конкуренцию битлам. Первой композицией команды стала песня Чака Бери "Come On". Роллинги стали появляться на телевидении, выступили на фестивале "National Jazz And Blues Festival", а затем отправились гастролировать по лондонским ночным заведениям. В 1963 году роллинги спели композицию битлов «I Wanna Be Your Man», а 1964 году записали песню Бодди Холли "Not Fade Away", которая оказалась на четвертой строчке английского хит-парада. Пресса назвала роллингов сенсацией в мире музыки. К этому добавился слух о том, что музыканты отправляют малую нужду прямо на сцене. В 1964 году роллинги выпустили свой первый альбом, прокатились с гастролями по США. В это время в Англии композиция роллингов "Little Red Rooster" оказалась на вершине хит-парада, хотя ее ротация так и не состоялась, потому как песня была неприличной. В 1965 году хитом стала песня "The Last Time". В том же году роллинги записали второй альбом The Rolling Stones 2"(другое название "12 Х 5"). Хитом стал "Satisfaction". ДжеггериРичардсвыдавалишлягерзашлягером: "Get Off My Clouds", "Time Is On My Side", "As Tears Go By", и "Tell Me". Вэтомжегодупоявилсямини-альбомроллингов "Got Live If You Want It". В диск "Aftermath" (1966 года) состоял исключительно из авторских композиций Джеггера и Ричардса. Но эта пластинка не стала яркой на фоне работ TheBeatles (диск "Revolver") и Боба Дилана ("BlondeOnBlonde"). В 1966-67 годаххитамистановились "Paint 11 Black" и "Ruby Tuesday", "Mother's Little Helper", "19th Nervous Breakdown", "Have You Ever Seen Your Mother, Baby (Standing In The Shadow)" и "Lady Jane". В 1967 году произошел очередной скандал: на «Шоу Эдда Салливена» в композиции "Let's Spend The Night Together" Мик Джаггер промычал первые строчки песни, которые были нецензурными. А немного позже роллингов арестовали, обвинив в хранении наркотических веществ. Суд вынес обвинительный приговор, но срок роллинги получили условно. Музыканты разъехались после этого инцидента: Брайан Джон - в Марокко, Мик Джеггер – в Индию, Кит Ричарде просто уехал в глубинку и стал пьянствовать. После того, как группа собралась вновь, роллинги выпустили альбом "Their Satanic Majesties Request", на котором была психоделическая музыка. Этот альбом был конкурентом "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". В 1968 году вышел альбом "Beggar'sBanquet", который вышел с большой задержкой и со скандальной обложкой – с унитазом на фоне стены. Критики назвали этот альбом группы лучшим. В 1969 году из группы ушел Брайан Джонс, которого сменил Мик Тейлор. Джонса нашли мертвым в бассейне в собственном особняке. Общественности было сказано, что это несчастный случай. После этого вышел альбом "Let It Bleed", который стал ироническим парафразом на альбом битлов "Let It Be". В 1969 году состоялось очередное турне роллингов по США. На одном из концертов, который состоялся в Алтакмонте, был убит один из чернокожих поклонников группы Мередит Хантер. Об этом инциденте есть документальный фильм "Gimme Shelter". После этого роллингов обвинили в том, что они своими композициями пропагандируют насилие. После этого вышел альбом "Ger Yer Ya-Ya's Out", который также завоевал право называться золотым.
В 1970 году роллинги обзавелись своей студией звукозаписи «Rolling Stones Records». Первый альбом, который был записан на студии, назывался "Sticky Fingers". Именно на его обложку появился знаменитый высунутый язык. Его придумал художник Энди Уорхол. В 1971 году Мик Джеггер обзавелся женой, которая была родом из Никарагуа. Она была фотомоделью. Ее звали Бьянка Перес Моренце де Масиас. Она была аристократкой. Общественность стала поговаривать о закате роллингов, но после выхода альбома "Exile On Main Street", который стал платиновым, все успокоились. В последующие году группа на гастроли отправлялась редко, но при этом все билеты на их концерты распродавались в короткие сроки. Самым неудачным альбомом роллингов считается "Goat's Head Soup", несмотря на то, что он стал «золотым». После выхода диска Мик Тейло ушел из группы. Роллинги обратились к сейшнменам, чтобы записать альбом "Black And Blue". Среди них нашелся Род Стюард, который и сменил Мика Тейлора. Альбом "Some Girls" стал восемь раз «платиновым». Альбом "Tattoo You" (1981 года выпуска) был «платиновым» 10 раз. Неплохо получился альбом "Still Life". Но хитом 80-х годов стал альбом "Steel Wheels". В 90-е годы вышел диск роллингов под названием "Voodoo Lounge". Роллинги совершили большое мировое турне, заработали кучу денег. В 1997 году вышел альбом "Bridges To Babylon", который стоит внимания поклонников группы. Особенность альбома в том, что в нем сосредоточены самые последние достижения в музыке того периода. Роллинги всегда двигались в ногу со временем. В их творчестве отразились элементы практически всех музыкальных стилей и направлений. В 2007 году роллиги приезжали с концертом в Россию. Они выступили на Сенатской площади Санкт Петербурга, где была собрана огромная сцена. Звук и световые эффекты поражали воображение. Роллинги исполнили старые хиты и новые творения. В настоящее время группа жива. «TheRollingStones» навсегда вошли в историю музыки как культовая группа, драйв от которой соизмерим только с группой «TheBeathles». barracuda18659
«Beatles» 1960 год – застой рок-н-ролла. Ничегоособенно интересного в мире музыки не происходило. Старый рок-н-ролл уже был до боли знаком и не производил желаемого фурора, а новых команд, которые смогли бы сотрясти сознание публики не наблюдалось. Так продолжалось до 1962 года, пока "The Beatles" не выпустили композицию "Love Me Do". С этой композицией и связывают возрождение рок-н-ролла, который встал на ноги благодаря «британскому нашествию». Пробел был восполнен, на музыкальном горизонте появилась группа, которая взяла на себя роль лидера. Это были "Beatles". Они произвели приблизительно такой же фурор, какой произвел Элвис Пресли в начале 50-х годов. Четыре недавно еще никому неизвестных паренька своей музыкой перевернули сознание масс. Они делали по-настоящему качественную музыку. Эта музыка получила название «бит». Бит – это гремучее сочетание элементов рок-н-ролла, соула и блюза. Битлы были первыми, кто показал миру в 1965 году, что такое психоделический рок. С группой связывают понятие битломании. Битломанией широкие массы заболели 13 октября 1963 года, когда о феномене битлов заговорили на страницах прессы. Первыми, кто не дожидались вердикта прессы, были подростки. Они задолго до 1963 года поняли, что имеют дело с целым культурным феноменом. Но битлы были не одиноки в своем стремлении взорвать музыкальное болото начала 60-х. В определенном смысле конкуренцию им составила группа "The Rolling Stones". Они были антагонистами битлов: небрежно одетые, грубые, наглые роллинги намеренно создавали себе дурной и скандальный имидж. Нужно сказать, что на самом деле битлы и роллинги не были такими уж заклятыми врагами, какими их рисовала пресса. Музыканты много общались. Они ориентировались на разные музыкальные стили: битлы – на рок-н-ролл и соул, а роллинги – на ритм-энд-блюз. Но все это «безобразие» поразительным образом вписывалось в то, что называется битом. Кроме них, были и команды второго эшелона, которые играли бит. Речь идет о "The Who" и "The Kinks". Первые выдали хит "My Generation", который молодежь сделала своим гимном. "The Who", как и роллинги имели скандальную репутацию. Музыканты, разбивая в пыль на глазах бушующей публики свои гитары, превращали свои выступления в настоящее шоу. Публика находилась в постоянном ожидании скандала. «The Kinks» выдали свой хит, который назывался "You Really Got Me". Все, что делали музыканты, носило характер утяжеленного бита. Вокалист группы Рэй Дэвис был автором самых злободневных песен того времени. Такого же рода композиции сочиняли и Джон Леннон, Пол Маккартни и Пит Тауншенд. Встилебитиграли "Herman’s Hermits", "Hollies", "Unit 4+2", "Searchers", "Merseybeats" и "Fortunes". Но эра их популярности была недолгой. Она закончилась в 1965 году когда битлы и роллинги стали исполнять психоделический рок, который многим оказался не по зубам. Бит был популярен недолго, года три от силы. Но что ни говори, музыкальный продукт, сделанный за этот короткий период, был по-настоящему качественным. «The Beatles» - легендарная группа, которая совершила переворот в музыке. Битлы предложили публике по-настоящему новый сверхкачественный саунд. Их композиции стали классикой современной музыке. Нет ни одного музыкального направления, на которое бы эта группа не оказала влияние. Группе поклонялись, ее боготворили. «The Beatles» появились в Великобритании в городе Ливерпуле в 1959 году. Первоначально в группу входили музыканты Пол Маккартни, который был бас-гитаристом, гитаристом и вокалистом; Джон Леннон играл на гитаре и пел; Джордж Харрисон – прекрасный гитарист и вокалист; Стюарт Сатклифф – бас-гитарист; Пит Бест – барабанщик. Вы не поверите, но даже к битлам известность пришла не сразу. По началу их никто не знал за пределами Ливерпуля. В 1960 году команда отправилась в Германию, где стала работать в клубах Гамбурга. Они познакомились со звездой рок-н-ролла Тони Шериданом, который пригласил молодых музыкантов принять участие в записи его альбома "Тони Шеридан и Битлз". Именно благодаря Шеридану битлов узнали во всем мире. С 1961 года группа начала работать самостоятельно. Музыкантам стал помогать продвигаться Брайен Эпштейн, который содержал магазин грампластинок. Зимой 1961 года состав группы несколько изменился: группу покинул Стюарт Сатклифф. С тех пор и появился знаменитый квартет – «ливерпульская четверка». Назовем звукозаписывающую компанию, которая кусает локти, потому как отказала музыкантам в сотрудничестве. Это "Decca". Зато группу приняла мелкая звукозаписывающая фирма "Parlophone". В контракте было одно условие: музыканты должны были найти нового барабанщика. Так пита Беста за ударной установкой сменил Ринго Стар (Ричард Старрки). В 1962 году на студии "Parlophone" музыканты записали свой первый сингл "Love me do". В 1961 году уведел свет первый альбом битлов, который стал настолько популярен, что стали говорить о новом культурном явлении в музыке. Оно носило название «битломания». В 1964 году был снят фильм «Вечер трудного дня». В фильме полностью музыка битлов. Авторство большинства композиций принадлежит тандему Леннон – Маккартни.
К середине 60-х годов группа уже имела свое фирменное звучание. С первых нот меломаны могли сказать: «Это играют The Beatles». На выступлениях команды публика пребывала в полной эйфории: зал просто сходил с ума, фанатки падали в обморок, обливались слезами, но их кумиры были недостижимы. Музыкантам пришлось прекратить гастрольную деятельность, так как прошли слухи, что на их концерте толпа в любовном порыве к своим кумирам задавила несколько фанатов. Битлы осели в студиях звукозаписи. Музыканты были молоды и успешны. За этой головокружительной карьерой они не видели, что на самом деле в обществе не все так безоблачно как в их жизни. Повзрослев, они изменились: Леннон и Харрисон обратились к восточным вероучениям и даже построили на свои деньги храм бога Кришны. В 1967 году вышел студийный альбом битлов «Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера». В нем были заложены основы арт-рока, хард-рока и психоделического рока. В это время погиб Брайен Эпштейн, который занимался продвижением группы. Приина его смерти так до конца не ясна. Официальная версия – отравление лекарственными препаратами. Многие говорят о том, что это было самоубийство. Его место занял продюсер компании "Parlophone" Джордж Мартин. В 1967 году музыканты приняли участие в фильме «Волшебное таинственное путешествие» и выпустили двойной «белый» альбом "Beatles". В 1969 году был записан альбом "Abbey Road", который стал последним в карьере группы. В 1970 году группы не стало. Причиной стали отношения между авторами, которые составляли костяк группы, Ленноном и Маккартни. После распада группы музыканты стали заниматься сольными проектами. Но это уже другие истории. barracuda18659
Джаз. Джаз – уникальное музыкальное направление, которое сформировалось в США на рубеже 19-20 веков и дало толчок к развитию целой плеяды различных музыкальных жанров. Из джаза вышли бибоп, рок-н-ролл, ритм-енд-блюз, джаз-рок, фьюжн, фанк. Джаз можно назвать прадедушкой практически всех современных музыкальных жанров. А что же такое джаз? Истоки джаза следует искать в смешении, или, как говорят, в синтезе европейской и африканской музыкальных культур. Как это ни странно, джаз начался с Христофора Колумба. Разумеется, великий первооткрыватель не был первым исполнителем джазовой музыки. Но, открыв Америку для европейцев, Колумб положил начало взаимопроникновению европейской и африканской музыкальных традиций. Вы спросите: а при чем здесь Африка? Дело в том, что, осваивая американский континент, европейцы стали привозить сюда чернокожих рабов, переправляя их через Атлантику с западного побережья Африки. В период с 1600 по 1700 годы количество рабов на американском континенте перевалило далеко за сотни тысяч. Европейцы даже не догадывались о том, что вместе с рабами, переправленными на американский континент, они привезли туда африканскую музыкальную культуру, которая отличается потрясающим вниманием к музыкальному ритму. На родине африканцев музыка являлась непременным компонентом различных обрядов. Ритм имел здесь колоссальное значение, являясь основой коллективного танца, коллективной молитвы, иными словами, коллективного обряда. Характерными чертами африканской народной музыки являются полиритмия, ритмическое многоголосие и перекрестная ритмика. Мелодика и гармония здесь находятся практически в зачаточном состоянии. Этим определяется то, что африканская музыка более свободна, в ней имеется большее пространство для импровизации. Итак, вместе с чернокожими рабами европейцы привезли на американский континент то, что стало ритмической основой джазовой музыки. А какова же роль европейской музыкальной культуры в формировании джаза? Европа привнесла в джаз мелодику и гармонию, минорные и мажорные стандарты, солирующее мелодическое начало. Итак, родиной джаза стали Соединенные Штаты Америки. Историки джаза до сих пор спорят о том, где именно впервые стали исполнять джазовую музыку. На этот счет существуют два противоположных мнения. Одни полагают, что джаз появился на севере США, где уже в 18 веке английские и французские протестанты-миссионеры стали обращать негров в христианскую веру. Именно здесь возник совершенно особый музыкальный жанр «спиричуэлс» - это духовные песнопения, которые стали исполнять североамериканские негры. Песнопения отличались предельной эмоциональностью и во многом импровизационным характером. Из этих песнопений впоследствии и возник джаз. Сторонники другой точки зрения утверждают, что джаз появился на юге Соединенных Штатов, где подавляющее большинство европейцев были католиками. Они относились к африканцам и их культуре с особым презрением и пренебрежением, что сыграло положительную роль в сохранении самобытности африканского музыкального фольклора. Афроамериканская музыкальная культура темнокожих рабов отвергалась европейцами, что сохраняло ее аутентичность. На основе аутентичной африканской ритмики и сформировался джаз. Директор Нью-Йоркского Института джазовых исследований Маршалл Стернс – автор монографии «История джаза» (1956 г.) - показал, что дело обстоит гораздо сложнее. Он указал, что в основе джазовой музыки лежит взаимопроникновение западноафриканских ритмов, рабочих песен, религиозных песнопений американских негров, блюза, африканского фольклора прошлого, музыкальных композиций бродячих музыкантов и уличных духовых оркестров. Вы спросите, при чем здесь духовые оркестры? После окончания Гражданской войны в США многие духовые оркестры были расформированы, а инструменты распроданы. На распродажах духовые инструменты можно было приобрести практически даром. На улицах появилось множество музыкантов, играющих на духовых инструментах. Именно с распродажами духовых инструментов связан тот факт, что в джаз-бэндах присутствует их традиционный набор: саксофон, труба, кларнет, тромбон, контрабас. Основу представляют, конечно же, ударные. Центром джазовой музыки в США стал город Новый Орлеан. Его населяли очень свободомыслящие люди, не чуждые авантюризма. Кроме этого, город имеет выгодное географическое положение. Это благоприятные условия для синтеза музыкальных культур. Сформировался даже особый джазовый стиль, который носит название Новоорлеанского джаза. 26 февраля 1917 года здесь в студии «Victor» была записана первая грампластинка, на которой звучала джазовая музыка. Это был джазовый коллектив «Original Dixieland Jazz Band». Кстати, музыканты коллектива не были темнокожими. Это были белые американцы. В последующие годы джаз превратился из маргинального музыкального направления в достаточно серьезное музыкальное течение, которое овладело умами и сердцами широкой публики на американском континенте. Распространение джаза началось после закрытия в Новом Орлеане развлекательного квартала Сторивилла. Но это не значит, что джаз был только новоорлеанским явлением. Островками джазовой музыки были Сент-Луис, Канзас-Сити, Мемфис – родина регтайма, который оказал заметное влияние на формирование джаза. Интересно, что многие впоследствии выдающиеся джазовые музыканты и оркестры были обычными менестрелями, участвовавшими в специальных передвижных концертах: например, известный музыкант Джелли Ролл Мортон, оркестр Тома Брауна, «Креол Бэнд» Фредди Кеппарда. Оркестры давали концерты на пароходах, которые совершали рейсы по Миссисипи. Это, безусловно, способствовало популяризации джазовой музыки. Из таких оркестров вышли блистательные джазмены Бикс Бейдербейк, Джесс Стейси. В джазовом оркестре играла на фортепиано будущая супруга Луи Армстронга Лил Хардин. В 20-30-е годы прошлого века центром джаза стал город Чикаго, а затем и Нью-Йорк. Связано это с именами великих мастеров джаза Луи Армстронга, Эдди Кондона, Джимми Мак Партланда, Арта Ходеса, Барретта Димса и, конечно же, Бенни Гудмана, которые сделали очень многое для популяризации джазовой музыки. Основой джаза в 30-40-е годы 20 века стали биг-бенды. Оркестры возглавляли Дюк Эллингтон, Каунт Бэйси, Чик Уэбб, Бенни Гудман, Чарли Барнет, Джимми Лансфорд, Гленн Миллер, Вуди Герман, Стэн Кентон. Потрясающим зрелищем были «сражения оркестров». Солисты оркестров своими импровизациями доводили зрителя до исступления. Это было захватывающе. С тех пор биг-бенды в джазе – это традиция. В настоящее время выдающимися джазовыми оркестрами являются Джазовый оркестр Линкольн-Центра, Джазовый оркестр Карнеги Холл, Чикагский джазовый ансамбль и многие другие. barracuda18659
«МУЗЫКАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ». ВОКАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ: Песня – это самый популярный жанр вокально-инструментальной музыки. Песни делятся на две категории: народные и композиторские песни. Главное отличие этих двух видов в том, что в композиторской песне мы можем назвать авторов поэтического и музыкального текстов. Народной песни персонифицированного автора нет. Ее создателем является коллективный творец – народ. Народная песня Народные песни слагались веками, они помогали крестьянам в работе, их пели во время обрядов, праздников и траурных дней. Изначально, песни служили для сопровождения свадьбы, похорон, рождения ребенка, уборки урожая. Со временем назначение песни изменилось. Люди сочиняли и пели песни, когда им было весело или грустно, когда они работали или отдыхали. Любой человек мог изменить слова или мелодию песни в зависимости от его желания. Народная песня передавалась из поколения в поколение, переносилась из города в город бродячими музыкантами, поэтому за несколько лет она могла изменяться несколько раз. Простые крестьяне не могли записать ни слов, ни музыки, поэтому песни запоминали наизусть. Народные песни делятся на две группы. Они бывают обрядовыми и не обрядовыми. Обрядовые песни сопровождают определенные ритуалы: свадебные песни, песни, исполняющиеся при рождении ребенка, песни, сопровождающие земледельческие обряды. Не обрядовые песни – это песни, которые поют на вечерках, на беседах. Они не сопровождают обряды. Основное назначение народной песни – выражать разнообразные эмоции, переживания народа. Тематика народных песен весьма разнообразна. Бывают песни о любви, о тяжелой крестьянской доле. Существует целый цикл песен о рекрутчине (солдатские песни). Особое место в песенном фольклоре занимают исторические песни, где повествуется о важных исторических событиях и действуют реальные исторические персонажи. К народному песенному творчеству относится также жанр частушки, который появился относительно недавно. Частушка сформировалась в сельской местности на основе лирической песни немногим более 100 лет назад. До этого частушек не было. Интересно, что первые частушки исполняли исключительно парни. Они были, конечно же, о любви. С музыкальной точки зрения народно-песенное творчество характеризуется строгой каноничностью и замкнутостью. Существуют образцы народной музыки, которые передаются из поколения в поколение. Народные песни исполняются как сольно, так и хором. Многоголосие каждого народа, гармония народных песен уникальна.
Композиторская песня Композиторская песня – это профессиональное вокально-инструментальное сочинение. В отличие от народной песни, композиторская доходит до нас в первозданном виде, даже если она была написана 100-200-300 лет назад. Композиторы писали музыку на стихи профессиональных поэтов, поэтому, композиторскую песню еще называют «профессиональной песней». Композиторская песня появилась, предположительно, в период позднего Средневековья: в 16-17 веках, когда произошло освобождение от влияния церкви и стала развиваться светская культура, а с ней композиторское и поэтическое мастерство, далекое от строгих церковных канонов. Романс – это жанр вокально-инструментальной музыки. Романсом называют произведение, написанное для голоса в сопровождении ансамбля или одного инструмента. «Романс» – это испанское слово, означающее «по-испански», то есть исполняется, как в Испании. Термин этот появился в средние века. Он означал, что вокальное произведение исполняется испанским певцом в испанском стиле. Вскоре весь мир стал называть светскую песню «романсом». Главное отличие романса от песни заключается в том, что в первом мелодия очень тесно связана с литературным текстом. Каждое слово подчеркивается мелодией, ритмом и характером музыки, тогда как в песне музыка служит лишь сопровождением. Поэтому в романсе аккомпанемент является не менее важным, чем вокальная партия. Существует несколько разновидностей романса: баллада, элегия и романс в танцевальных ритмах. В 18 веке началось широкое увлечение романсом. Это произошло благодаря тому, что великие поэты создавали свои произведения именно в это время. На стихи И. В. Гете, А. С. Пушкина, М. Ю. Лермонтова, А. А. Фета было написано очень много романсов. В 19 веке появились национальные школы романса. Каждый представитель данных школ писал произведения, придерживаясь одного стиля. Так появились Русская, Немецкая, Австрийская и Французская школы романса. В России появился совершенно новый вид романса – «цыганский романс». Естественно, что рассчитан он на простой аккомпанемент гитары и скрипки, а также на непрофессиональное пение исполнителя. Тем не менее, цыганский романс стал весьма популярен в 19 веке и сохранился и в наше время. Романсы сочиняли многие русские композиторы: М.И. Глинка, П.И. Чайковский, Н. Римский-Корсаков, С.С. Прокофьев и многие другие отдали дань этому прекрасному вокальному жанру. Современными исполнителями романса являются Олег Погудин и Леонид Сребрянников. Прекрасным исполнителем романсов в эстрадной манере их подачи считается популярный певец Александр Малинин.
ВОКАЛЬНО - ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ: КАНТАТА. Кантата – это жанр вокально-инструментальной музыки. Кантата представляет собой крупное музыкальное произведение, написанное для симфонического оркестра, хора и солистов (певцов). Поэтический текст кантат, как правило, посвящен событию, играющему важную роль в истории страны, или национальному герою, или любому значимому историческому персонажу. Жанр «кантата» зародился в Италии примерно в конце 16 века (в то же время, что и опера). В переводе с итальянского языка слово «кантата» означает «петь» (образовано от итальянского глагола «кантаре»). В произведении чередуются арии и речитативы. Как и в опере, оркестр является одним из главных героев всего действа. Кантаты никогда не исполняли в театрах, так как в этом произведении нет ролей, костюмов и декораций. Кантаты предназначены только для концертных залов. Кантата не может быть развлекательным произведением, она носит серьезный характер и глубокое содержание. В вокально-инструментальной музыке, помимо кантат, выделяют еще и жанр «оратории». Появился этот жанр также в 16 веке, но не во Флоренции, а в столице Италии Риме. «Оратория» - это латинское слово, означающее «красноречие». Прототипом оратории стали, положенные на музыку священные писания которые исполнялись на собраниях в католической церкви. Священники читали тексты библии и растолковывали их прихожанам. Чтение библии обязательно сопровождалось звучанием симфонической музыки, написанной специально для этого. Позднее композиторы стали переделывать тексты библии и класть их на музыку. Исполнялись оратории только в церкви, после богослужения (в качестве проповеди). В восемнадцатом веке Г.Ф. Гендель написал концертную ораторию, то есть ораторию, которую можно было исполнять не в храме, а в концертном зале, перед обычной публикой. Благодаря этому композитору оратория превратилась в жанр вокально-инструментальной музыки. Кроме того, сюжет произведения мог охватывать не только библейские притчи, но и исторические события.
ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ: СЮИТА. Сюита – это жанр инструментальной музыки. Слово сюита переводится с французского языка как «ряд», «чередование», «последовательность». С чем это связано? Дело в том, что сюита состоит из множества частей, которые не обязательно связаны друг с другом по смыслу. Чаще всего части сюиты сильно отличаются друг от друга, например, одна часть может быть написана жанре танца, другая в песенном жанре; одна из частей может быть минорной (угрюмой, тоскливой, грустной), а другая мажорной (то есть, веселой, радостной, задорной). В этом заключается главное отличие сюиты от других жанров инструментальной музыки (сонаты и симфонии), где каждая следующая часть дополняет и продолжает предыдущую, а переходы между ними плавные, едва заметные. Жанр сюиты зародился в 16 веке. Тогда сюиты состояли только из четырех частей, которые были написаны в духе четырех разных танцев. Первый композитор, который объединил танцы в целое произведение, был И. Я. Фробергер. Начиналась сюита с неторопливого танца, затем шел быстрый танец, ему на смену приходил очень медленный «Сарабанда», а завершал произведение очень быстрый и стремительный танец «Жига». Единственное, что объединяло эти разные по характеру и темпу танцы, – то, что они писались в одной тональности. Сначала сюиты исполнялись только одним инструментом (чаще всего на лютне или на клавесине), позднее композиторы стали писать сюиты для оркестров. Во второй половине восемнадцатого века интерес к жанру сюиты возрос благодаря таким великим композиторам, как И. Бах и Г. Гендель. Эти немецкие композиторы написали огромное количество сюит, сделав их более строгими, слаженными. В девятнадцатом веке в сюитах стали использовать песенные интонации и мелодии. Очень много сюит было написано на основе опер и балетов. До сих пор этот жанр остается популярным.
СОНАТА. Соната – это жанр инструментальной музыки. Название «соната» произошло от итальянского глагола «sonare», что переводится как «звучать». Соната состоит из трех частей. Первая часть всегда быстрая, стремительная, вторая, наоборот, медленная и размеренная, ей на смену приходит заключительная часть, которая пишется в духе первой (то есть, быстрая). От сюиты соната отличается тем, что все части связаны между собой. Между ними нет сильного контраста, кроме темпа, музыкальный материал дополняет предыдущий. Термин «соната» появился в 16 веке, тогда сонатами назвали любую инструментальную музыку. В 17 веке термин уже приобрел современное значение, а сами сонаты разделились на два вида: церковные и камерные сонаты. Церковные сонаты – это произведения, которые писали специально для сопровождения богослужения. «Камерные сонаты» - это сонаты, которые исполняли на концертах один или два инструмента. Соната всегда пишется для камерного (очень маленького) состава инструментов. Очень много сонат написано для одного инструмента (как правило, это сонаты для фортепиано). Практически каждый композитор обращался к жанру сонаты. Мировую известность получили произведения, написанные для фортепиано Й. Гайдном, В. Моцартом, Л. Бетховеном, Ф. Шубертом, Ф. Шопеном, Ф. Листом, Скрябиным, С. Прокофьевым. Много сонат написано и для двух инструментов: например, для скрипки и фортепиано, для виолончели и фортепиано. Такие сонаты создавали В. Моцарт, Л. Бетховен, С. Прокофьев, С. Рахманинов, Д.И. Шостакович. Многие композиторы даже давали названия своим сонатам. Например, у Бетховена мы можем услышать «Лунную сонату» (сонату №14), «Патетическую сонату» и т.д. Чаще всего сонаты обозначаются номерами и не имеют названий. barracuda18659
ФАНТАЗИЯ. МИНИАТЮРА. Фантазия – это жанр инструментальной музыки. В переводе с греческого языка слово «фантазия» означает «воображение». Как связана инструментальная музыка и воображение? Очень просто! Когда композитор написал фантазию, он оставляет за исполнителем право импровизировать. Это значит, что исполнитель играет определенный фрагмент музыки не так, как задумал композитор, а так, как он его чувствует, понимает. В нотной партитуре композиторы оставляют несколько тактов свободными, чтобы исполнитель мог играть то, что он хочет. Не каждый, даже самый профессиональный исполнитель способен импровизировать. Лишь самые виртуозные музыканты обладают талантом «на ходу» сочинять музыку. Задача исполнителя заключается в том, чтобы его импровизация не отличалась по характеру и тональности от музыки, написанной композитором. Существует и другое значение фантазии. Это может быть инструментальное произведение, написанное на основе другого произведения. Например, композитор берет за основу одну из тем оперы и создает абсолютно новое произведение, хотя мелодический рисунок этой темы сохраняется. Композитор как бы фантазирует. Он выражает свое видение музыки другого автора. Фантазия как жанр сформировалась в 16 веке. Композиторы создавали множество произведений для гитары, лютни, клавесина. В 17 и 18 веках фантазию начали использовать в качестве перехода от одной части сонаты к другой или как вступление к действиям в опере. Л. В. Бетховен, Ф. Лист и Ф. Шопен написали огромное количество фантазий, как самостоятельных произведений. Они брали за основу оперы и балеты других композиторов, народные танцы и песни. Н. А. Римский-Корсаков написал огромный цикл под названием «Фантазии на темы народных песен» для скрипки с оркестром. Миниатюра – жанр инструментальной музыки. Миниатюрой называют маленькое по размерам музыкальное произведение. В жанре миниатюры писали многие композиторы 17 – 19 веков, но ни для кого из них он не становился главным. В начале 19 века интерес к миниатюре угас. Об этом жанре на некоторое время забыли. В середине 20 века миниатюра проявилась снова, но уже на эстраде, а не в концертных залах, как это было раньше. Главным образом в жанре музыкальной миниатюры стали работать эстрадные юмористы, клоуны, самодеятельные коллективы, студенческие театры и подобные исполнители. В настоящее время композиторы создают профессиональные миниатюры, но их очень и очень мало.
СИМФОНИЧЕСКИЕ ЖАНРЫ: СИМФОНИЯ. Симфония – это самый главный жанр симфонической и инструментальной музыки. Слово симфония в переводе с греческого языка означает «созвучие» (syn – вместе, phone - звук). Такое название жанр получил потому, что симфонические произведения пишутся для оркестра (симфонического, духового или оркестра народных инструментов), где огромное количество инструментов звучат одновременно. Иногда композитор может создать симфонию, где одна из главных партий исполняется хором и солистами. Симфония обязательно состоит из четырех частей. Первая часть звучит энергично, четко, возможно торжественно или наоборот трагически. Вторая честь всегда медленная, лирическая, напевная. Третья часть может походить на танец (строгий, неторопливый, размеренный). Последняя часть называется «финалом». В нем композиторы часто используют песенные или танцевальные мелодии. Завершается финал всегда торжественной музыкой, обязательно идет развитие динамики (то есть, звук нарастает, становится громче). Термин симфония существовал еще в древней Греции, но называли им народный музыкальный инструмент, затем симфония означала «пение», «музыку» в целом. Только в 17 веке симфонией стали называть крупные вокально-инструментальные произведения. Первые симфонии появились в Италии. Дж. Габриели написал «Священную симфонию», это было духовное произведение, написанное для симфонического оркестра и хора. Немного позднее симфонии появились в Германии, первые немецкие композиторы-симфонисты – Л. Хаслера и Г. Шюца.
УВЕРТЮРА. Увертюра – это жанр симфонической музыки. В переводе с французского языка увертюра означает «начало», или «открытие». Получается, что увертюра должна что-то открывать? На самом деле так и есть, произведения этого жанра открывают оперу, балет, кинофильм, кантату, ораторию… (любое крупное музыкальное сочинение). Точнее будет сказать: «является началом любого крупного произведения». Некоторые композиторы пишут такие увертюры, которые длятся гораздо больше чем опера, поэтому такие увертюры стали самостоятельными, полноценными музыкальными произведениями, которые исполняются отдельно. Задача любой увертюры – рассказать зрителю, об опере, которая последует за ней, ввести слушателей в ту атмосферу, которая будет в самой опере. Ту же самую роль выполняет и увертюра к кинофильмам. Попробуйте вспомнить хоть один кинофильм, где во время титров не звучит музыка. Наверняка никому это не удастся. Увертюра в кино играет огромную роль. Зритель еще не увидел и первого кадра, а уже знает, что его ожидает (характер музыки очень хорошо расскажет об этом). Первая увертюра появилась с написанием первой оперы «Орфей и Эвридика» итальянского композитора Монтеверди. Затем увертюры стали писать и французские композиторы. В связи с этим появилось два вида увертюр: итальянская и французская. Композиторы Италии и Франции долго спорили о том, как должна выглядеть увертюра. Первые утверждали, что вступление должно звучать быстро, средняя часть медленно, а финальная часть снова быстро. У французов было абсолютно другое мнение: медленное вступление, быстрая и энергичная средняя часть, медленный финал. Споры ни к чему не привели, поэтому до сих пор существуют оба типа увертюр. В девятнадцатом веке стали появляться концертные увертюры, то есть самостоятельные музыкальные сочинения. Первые композиторы, написавшие такие увертюры, были: Мендельсон, Дворжак и Берлиоз. Как правило, такие произведения писались в честь какого-либо торжества, грандиозного праздника. Достаточно вспомнить названия этих увертюр: например, «Торжественную» увертюру написали три композитора (Глиэр, Глазунов и Мясковский), «Праздничная» увертюра была у Шостаковича, «Приветственная увертюра» написана Хачатуряном.
МУЗЫКАЛЬНО - ТЕАТРАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ: ОПЕРА. Опера – это музыкальный жанр, а точнее вокально-театральный жанр музыки. Почему вокально-театральный? Потому что, оперу можно назвать театральным представлением. В опере есть актеры, которые играют свои роли, они надевают костюмы, которые помогают узнать зрителю героев, на сцене располагаются декорации. Все как в обычном театре. Только актеры оперы не проговаривают свои диалоги и монологи, а поют их. Поэтому жанр оперы называется вокально-театральным (вокал – это пение). Жанр «опера» зародился в конце 16 века, в 1600 году, в итальянском городе Флоренция. В этом году была свадьба короля Франции Генриха четвертого, который брал в жены дочь правителя Флоренции Марию Медичи. Герцог Медичи славился своей большой любовью к музыке, практически каждый день в их доме собирались великие музыканты того времени, устраивались концерты. Герцог захотел сделать гостям, которые придут на свадьбу, необычный подарок, он попросил музыкантов написать что-нибудь необычное, новое, невиданное до этого. В день свадьбы, когда все гости собрались, на их суд было вынесено произведение, которое поразило абсолютно всех. На сцене находилось несколько актеров, одетых в костюмы, рядом располагался большой оркестр. Музыка не смолкала ни на секунду, а актеры не проговаривали, а пели свой текст. Как раз это и поразило зрителей. Дело в том, что до сего момента такие песни исполняли только простолюдины, в высшем обществе было принято раскладывать мелодию песни на несколько голосов, к тому же пение сопровождалось очень сложным аккомпанементом. При таком исполнении слова не возможно было разобрать. В произведении, представленном на свадьбе, каждое слово было подчеркнуто и аккомпанементом и необычной манерой пения актеров. Произведение, показанное гостям короля и герцога Медичи, называлось «Орфей и Эвридика». В основе произведения лежал древнегреческий миф, в котором рассказывалось о судьбе певца Орфея. У молодого певца умирает невеста прямо в день свадьбы, Орфей решает пойти в царство мертвых, чтобы вернуть любимую Эвридику. Когда перед ним встали боги подземного царства, Орфей стал играть и петь, жестокие боги смягчились и решили отпустить девушку, но предупредили, что если Орфей посмотрит на Эвридику, прежде чем они выйдут на свет, она уйдет от него навсегда. Орфей не смог удержаться и взглянул на невесту, и она навеки покинула его. Древнегреческий миф стал толчком к созданию первой оперы. Через семь лет после свадьбы, итальянский композитор Клаудио Монтеверди (он был там и видел представление) написал первую настоящую оперу с тем же сюжетом и названием («Орфей и Эвридика»). Композитор изменил первоначальную версию «музыкального мифа»: он попросил актеров петь свои роли (правильно будет назвать их «партиями») мягче и протяжнее, оркестр стал играть немного тише, как бы помогая певцам петь. Монтеверди считал, что оркестр тоже играет главную роль в опере, он помогает показать настроение героя, его чувства. Название «опера» появилось гораздо позже, создания «Орфея и Эвридики». В переводе с итальянского языка это слово означает «труд» или «творение», «сочинение». Сначала произведения этого жанра называли «музыкальная повесть», а дальше писали «труд композитора…». Со временем, название сократилось до одного слова «труд», то есть «опера».
ОПЕРЕТТА. Оперетта – это музыкально театральный жанр. Само слово «оперетта» в переводе с итальянского языка означает «маленькая опера». Уже из перевода становится понятно, что от обычной оперы оперетта практически не отличается. Это такое же сочетание вокальной и инструментальной музыки и театрального представления. Оперетта носит легкий, развлекательный характер, она никогда не может быть трагедией, чаще всего оперетта - это пародия. Хоть в оперетте присутствуют арии, дуэты, сцены хора и сольные партии отдельных инструментов, исполняют они несложные партии, чаще всего танцевального или песенного характера. Главное отличие оперетты от оперы – танец. Если в опере мы никогда не сможем увидеть танец, то в оперетте каждое действие обязательно должно заканчиваться танцем. Как правило, кордебалет (группа танцоров) показывает самый популярный танец своего времени, таким образом, можно сразу определить в какое время и в какой стране была написана оперетта. Еще одно отличие маленькой оперы от ее «старшей сестры» - все вокальные партии написаны в песенно-куплетном жанре. Это связано с развлекательным характером оперетты, куплетные песни гораздо легче воспринимаются слушателями. Оперетта возникла в середине 19 века во Франции, а к концу века распространилась практически по всей Европе, в восьмидесятых года дошла до Америки. Отцами оперетты считаются Ф. Эрве и Ж. Оффенбах, именно они создали первые произведения этого жанра и поставили их на большой сцене. Первые оперетты являлись пародиями на литературные произведения, ситуация изменилась, когда публике надоело постоянно смотреть пародии, им хотелось чего-то большего, поэтому композиторы отказались от пародий и стали создавать собственные комические произведения. В нашей стране оперетты появились довольно поздно, только в начале двадцатого века. Первыми композиторами, написавшими оперетту, были: В.П. Соловьев-Седой, Т.Н. Хренников, И.О, Дунаевский. В.И. Мурадели. Русская оперетта несколько отличается от европейской и западной тем, что в ее основе чаще лежат героические, романтические и лирические сюжеты. Тем не менее в нашей стране композиторы стали писать оперетты для юных зрителей.
БАЛЕТ. Балет – это жанр инструментально-театральной музыки. В переводе с итальянского языка слово «Балет» означает «танец». В балете есть три основных составляющих: солисты, кордебалет (кордебалет – это группа танцоров. его можно сравнить с хором в опере) и оркестр. Как танец связан с театром? Все очень просто. В основе любого балета лежит какое-либо литературное произведение. Как и в театральном представлении, в балете есть свой сценарий, только называется он «либретто». Либретто пишется только для балета и оперы. Автор перерабатывает литературное произведение, вносит некоторые изменения в него, но не нарушая хода событий и сохраняя всех героев. Когда либретто готово, композитор пишет музыку, таким образом, получается балет. Затем профессиональные постановщики ставят танцы. Остается только танцорам выучить свои партии. В балете, как и в театре, есть костюмы и декорации сцены. Все это предназначено для того, чтобы зрителю было легче различать и узнавать в актерах героев. В балете есть такие же актеры, как и в театральном представлении, и в опере, только в опере герои поют свои монологи и диалоги, а в балете все передается с помощью движения, танца. Герои общаются с помощью танца, рассказывают зрителю о своих переживаниях, делятся мыслями… История балета начинается в 14 веке (эпоха Возрождения) и Италии. В это время произошло разделение танца на: бытовой (балы, танцы на праздниках, гуляниях) и сценический (отрепетированный, поставленный, исполненный профессиональным танцором на сцене). Первый же балет появился во второй половине 16 века, но уже во Франции. Назывался первый балет «Комедийный балет королевы», а написал его композитор Б. Бальтазарини. В 17 веке практически во многих странах западной Европы начали появляться специальные школы, где готовили профессиональных танцоров. С этого момента балет начал развиваться и становиться профессиональнее. В России балет появился только в 18 веке. Не смотря на это, спустя сто лет, ни одна страна мира не могла сравниться с российскими танцорами в мастерстве. Русские композиторы тоже превзошли своих западных и восточных коллег. Весь мир восхищается балетами, написанными П.И, Чайковским, К. Караевым, С. Прокофьевым, Р. Щедриным. barracuda18659
Термин «классическая музыка» имеет несколько значений, которые характеризуют классическую музыку с различных сторон. На самом деле понятие классической музыки не такое строгое и сложное как это может показаться на первый взгляд.
Во-первых, под классикой понимают такую музыку, которая прошла испытание временем, а точнее веками. Пройдя сквозь века, эта музыка осталась актуальной и нашла свою часть аудитории. Но следует помнить, что в момент создания такая музыка классикой не являлась, а была обычной развлекательной музыкой. Например, французская и венгерская оперетта конца 19 начала 20 века или вальсы И. Штрауса были легкой развлекательной музыкой, а в настоящее время стали классикой.
Во-вторых, классическую музыку определяют как музыку, которая была создана в определенный временной период: во второй половине 18 в начале 19 века, когда достигло своего расцвета культурно-эстетическое направление, называемое «классицизм». Таким образом, в узком понимании термином «классическая музыка» называют музыку, соответствующую канонам классицизма. Однако и здесь возникают проблемы: дело в том, что музыку сложно жестко вписать в рамки определенного направления. Культурно-эстетические критерии определения музыки работают далеко не всегда. К тому же эти критерии весьма субъективны.
В-третьих, существует типологический критерий определения классической музыки, который считается наиболее основательным. Классикой называют академическую музыку, которая перенимает традиции европейской музыки 17-19 веков и следует им в плане мелодического и гармонического построения музыкальных произведений и инструментальному составу для их исполнения. К классике относят в первую очередь оперы, симфонии, сонаты. При этом стоит отметить, что преемственность традиций соблюдается далеко не всегда. Существуют авангардные течения академической музыки 20 века, которые противоречат традициям, но считаются классическими. Такова, например, музыка Джона Кейджа, Карлхайнца Штокхаузена. Авангардные течения классики следует отличать от различных направлений современной музыки, которая с европейской музыкальной традицией практически никак не связана.
Однако классическая и современная музыка часто взаимодействуют. В пространстве такого взаимодействия образуются музыкальные шедевры, которые возможно причислить к классической музыке. Ярким примером может служить творчество Джорджа Гершвина, который создал некий синтез классики и джаза. Многие рок-группы в 20 веке стали исполнять свои композиции в сопровождении симфонического оркестра, например, «Deep Purple», «Scorpions», «Ария», «Nirvana», хотя такие эксперименты к классике отнести довольно сложно. Но речь идет об экспериментальном синтезе.
Скажем несколько слов о противопоставлении классической музыки любым другим музыкальным направлениям, как высокого - низкому. Такое противопоставление существовало во все времена. Однако и оно относительно. Например, в 18 веке высокой музыкой считалась исключительно духовная музыка. Опера или танцевальная сюита до высокой классической планки, мягко говоря, не дотягивали. В настоящее время оперы и сюиты являются формами исключительно классической музыки. К тому же, например, джазовая или рок-композиция могут быть более глубокими, эмоциональными, чем какая-либо из традиционных форм классической музыки.
Нужно сказать, что существует противопоставление Развлекательной, легкой, и интеллектуальной музыки. Это противопоставление значительно усилилось в 20 веке. Оно связано прежде всего с проникновением неевропейских музыкальных традиций в культуру европейцев и с угасанием интереса к музыкальному фольклору. barracuda18659
Блюз называют прадедушкой всех музыкальных жанров рок-музыки. Блюз как музыкальное направление зародился в США на основе народной музыки афроамериканцев. Блюз сыграл решающую роль в формировании таких музыкальных направлений как джаз и рок-н-ролл.
Афроамериканское население США продолжительное время находилось в рабстве, которое было отменено лишь в 1863 году. Афроамериканцы долгое время были людьми второго сорта. Белые рабовладельцы старались подавлять африканские традиции, но до конца истребить африканскую культуру не удалось. Однако отчаяние и упаднические настроения афроамериканской части населения США нашли выражение в особой форме музыкального искусства, которая получила название «блюз». Блюз – это грустные песни чернокожих рабов США.
Блюз – это особое состояние души, это музыка настроения, музыка одиночества и обреченности, тоски, неустроенности жизни чернокожего человека, который был не равен белым рабовладельцам. Но нельзя говорить о том, что блюз – это исключительно музыкальная форма выражения уныния. Блюз являлся формой выражения жизненного опыта, в котором могла быть ирония и юмор. Блюз давал надежду на лучшую жизнь, был средством излить душу бродяги.
Это были куплеты, которые соответствовали 12 тактовой форме, которая носит название «блюзового квадрата». Такт был основан на последовательности «тоника-тоника-тоника-тоника-субдоминанта-субдоминанта-тоника-тоника-доминанта-субдоминанта-тоника-тоника». При этом для блюза характерно особое интонирование с элементами глиссандирования, «подтяжками» звука (бэндами) и особым приемом исполнения, который использовался на струнно-щипковых инструментах и назывался «bottleneckslide».
Тексты также были типизированными и представляли собой двойное повторение первой строки, которая содержала обычно событие, и вторую строку, в которой выражалось отношение к этому событию. Эта форма блюза называется традиционной, архаической, простодушной. Традиционный блюз появился в дельте реки Миссисипи в первые десятилетия 20 века. Пионерами сельского блюза были Чарли Патон, Сон Хаус, Роберт Джонсон.
Традиционный блюз составляет основу классического блюза. Классический блюз сформировался в конце 19 начале 20 века, когда темнокожее сельское население в поисках работы постепенно стало перемещаться в города. Классический блюз – это оркестровые интерпретации традиционных народных блюзов. Он получил широкое распространение в 20-е годы 20 века. Классический блюз отличался от традиционного формой распространения: классические блюзовые композиции записывали в нотах, в то время как традиционный блюз представлял собой откровенную импровизацию и являлся свободной формой самовыражения для каждого отдельного деревенского музыканта.
В 1920 году появились первые записи классического оркестрового блюза. Одним из таких шедевров стала песня «Сумасшедший блюз» («Crazy Blues»), которую записал на фонограф Мамми Смит. Но постепенно классический блюз вытеснили появившиеся позднее записи традиционного деревенского (сельского) блюза. Своим распространением он обязан музыкантам Уильяму Хенди (W.C.Handy), Гертруде Ма'Рейни (Gerthrude Ma'Rainy), Ч. Хиллу и Бесси Смиту (Bessie Smith). В это время складываются разновидности блюза: техасский, Чикаго-блюз, джампл-блюз, кантри-блюз, соул-блюз, зайдеко, уэстсайд-блюз, лайт-блюз, нео-блюз.
Блюзы первоначально исполняли на акустических гитарах, банджо в сопровождении губной гармоники или аккордеона. В блюзовой музыке в довоенное время постепенно формировалось новое для того времени музыкальное направление «джаз».Это истоки классического блюза, который в 30-е - 40-е годы с появлением электрических музыкальных инструментов породил один из самых мощных блюзовых жанров «ритм-н-блюз». Ритм-н-блюз получил развитие лишь после Второй мировой войны. barracuda18659
В результате того, что белые музыканты Билл Хейли, Элвис Пресли в конце 40-х годов 20 века предпринимали попытки исполнить старые блюзовые произведения в новой форме подачи, возник рок-н-ролл. На 60-е годы приходится расцвет белого ритм-н-блюза, представителями которого стали «Alexis Korner Blues Incorporated», «John Mayall's Bluesbreakers», «Rolling Stones», Эрик Клэптон. В этот же период на основе упрощения ритм-н-блюзовой манеры исполнения и ужесточения звука формируется хард-рок. Появляются «Led Zeppelin», «Deep Purple», «Black Sabbath» и другие представители этого музыкального направления. Но блюз в 60-е годы не угасает. С уходом легендарного блюзмена Джона Ли Хукера на первый план выходит выдающийся блюзовый музыкант Кенни Уэйн Шеферд.
Так блюз как музыкальное направление дал мощнейший толчок к развитию многочисленных музыкальных жанров, ярчайшими из которых стали джаз, рок-н-ролл, ритм-н-блюз, а в последствии и хард-рок. Ритм-энд-блюз – мощнейшая ветвь развития блюзовой музыки, которая сформировалась в конце 30-х годов 20 века, а наиболее широкое распространение получила после Второй мировой войны. Расцвет ритм-энд-блюза приходится на 50-е – 60-е годы.
Развитие ритм-энд-блюза было связано с несколькими факторами. Во-первых, значительная часть чернокожего населения США в 30 годы стала переселяться из южных сельских районов страны на север в города. Среди южан-бродяг были кантри-блюзовые музыканты. Они искали на севере работу, часто играя блюз в барах и клубах. Работу было получить непросто. В то время блюз был музыкой второго сорта. Его презирало белое население, которое впоследствии с огромным желанием примет джаз, сформировавшийся на основе блюза. Парадокс!!! Постепенно блюз перекочевал из деревень в клубы и бары больших городов. В города с юга приехали такие известные блюзовые музыканты как Ти-Боун Уокер, Би Би Кинг, Луис Джорден, Джо Тернер, Мадди Уотерс, Элмор Джеймс и Хаулин Вулф.
Во-вторых, формирование ритм-энд-блюза связано с развитием промышленности и появлением электрических музыкальных инструментов: электрогитар и электроорганов. Позже появились и бас-гитары. Доминантные позиции в сфере американской музыкальной индустрии занимали биг-бэнды – огромные оркестры, которые исполняли музыку в клубах и на танцплощадках. Ансамбли музыкантов, состоящие из 4 – 6 человек, не могли конкурировать с биг-бэндами хотя бы по громкости звучания. Но с появлением электрических музыкальных инструментов все изменилось: биг-бэнды стали для владельцев развлекательных заведений невыгодны. Электроника, микрофоны, усилители, мощные динамики позволили получить усилиями меньшего количества музыкантов более мощный и громкий звук. Теперь оказались не нужны биг-бэнды. Небольшие блюзовые коллективы получили возможность показать себя на публике.
Кроме этого, с появлением электропроигрывателей, которые пришли на смену граммофонам, угасла традиция домашнего музицирования. У людей появилась возможность купить проигрыватель и наслаждаться музыкой, поставив любимую пластинку. Нотная отрасль промышленности практически разорилась: ноты просто перестали покупать.
Расцвет ритм-энд-блюза приходится на 50-е – 60-е годы 20 века. Ритм-энд-блюз завоевывал свои позиции постепенно. Легендой ритм-энд-блюза считается Роберт Джонсон, который в конце 20-х в начале 30-х годов успел записать несколько композиций, в числе которых была знаменитая песня «Перекресток» («Crossroad»). Эта песня впоследствии непременно исполнялась многими блюзовыми музыкантами в концертах. Известными первопроходцами блюза былиЧарли Паттон, Блайнд Лемон Джефферсон, Джон Слипи Истиз, Биг Билл Брунзи.
В 30-е – 40-е годы выдающимся блюзменом был гитарист Мадди Уотерс. Он был выходцем с территорий дельты реки Миссисипи (США), откуда и началось великое шествие блюзовых музыкантов по всему миру. Мадди Уотерс трудился на плантациях хлопка. Он сочинял блюзы. Известный собиратель фольклора Алан Ломакс услышал блюзы Мадди Уотерса. В 1943 году Уотерс стал жителем города Чикаго. Он работал на бумажной фабрике. С 1944 года Уотерс, приобретя электрогитару, стал исполнять свои блюзы в барах и клубах Чикаго, расположенных преимущественно в негритянских кварталах.
Другим пионером ритм-энд-блюза стал Артур Кардап, который также покорил Чикаго в начале 40-х годов. Однако любимцем публики в то время Кардап не стал. Его оценили лишь в конце 60-х годов – начале 70-х годов после выхода его альбома "The Father of Rock and Roll" ("Отец Рок-н-ролла"). Композиции Кардапа стали толчком к головокружительной карьере для Элвиса Пресли. К песням Кардапа не раз обращались Элтон Джон, Тина Тернер, Род Стюарт, Джонни Литл и многие другие музыканты.
В послевоенное время (1945-1947 годы) на первом плане ритм-энд-блюза появляется чернокожий блюзмен Луис Джорден и его команда «Tymрany Five». Джорден исполнял преимущественно традиционный кантри-блюз и джаз. Но позже проявил себя и в ритм-энд-блюзе. Он был кумиром великого рок-н-ролльного музыканта Чака Берри. Луис Джордон стал прообразом героя фильма Клинта Иствуда «The Bird», который рассказывал о выдающемся джазовом музыканте Чарли Паркере. Он является основоположником бибопа – элитарного стиля джазовой музыки. В фильме Паркер видит потрясающего саксофониста с ритм-энд-блюзовым коллективом. Прототипом этого саксофониста и стал Луис Джорден. Чарли Паркер слышит ритм-энд-блюз, он кажется Паркеру примитивным и простым, по стравнению с бибопом. Но в то же время Чарли Паркер понимает, что ритм-энд-блюз завораживает публику.
В 40-е годы ритм-энд-блюз старался пробиться к сердцам белого населения США. В этом процессе не последнюю роль сыграли музыканты, которых нельзя назвать чисто блюзовыми Этель Уотерс, Лина Хорн, Билли Экстайн, Сэмми Дэйвис, Фэтс Домино и, конечно же, певец Нэт «Кинг» Коул со своими известными композициями «Too Young» и «Рretend». Певец старался сохранять нейтралитет по отношению к расовым проблемам, за что был жестоко избит в собственном штате Алабама.
Термин «Rhythm and Blues» впервые появился в 1949 году в июньском выпуске журнала «Billboard». Наконец-то, состоявшуюся ритм-энд-блюзовую музыку назвали. В чем же характерные особенности ритм-энд-блюза? Первое, что бросается в глаза, новый блюз перестал быть музыкой уныния, разочарования и жалоб на несложившуюся жизнь. Он потерял камерность, интимность и превратился в развлекательную, танцевальную, живую, громкую, агрессивную музыку, которая создает позитивное настроение. Можно говорить о коммерциализации блюза, который стал ориентироваться на потребителя, каковым была широкая аудитория, жаждущая развлечений. Из вечного нытика блюз превратился в позитивного шоумена.
Ритм-энд-блюз унаследовал от традиционного блюза ладово-мелодическую основу. В центре остался двенадцатитактовый блюзовый квадрат, который, однако, лишился всяческих усложнений. Остались незыблемыми блюзовые ноты – пониженные третья, седьмая и пятая ступени. Особенностью этих нот является то, что они исполняются особым образом – это скользящий и ратягивающийся в пространстве звук, высоту которого блюзмен ощущает внутренним особым седьмым, восьмым …чувством. Блюзовые ноты невозможно исполнить на инструменте с постоянным строем. Их исполняют на духовых или на струнных инструментах. Тональность для исполнения композиций определяется во многом удобством игры на гитаре. Пьесы исполняются преимущественно в тех тональностях, которые позволяют оставлять струны открытыми: ми-диез, ля-диез, ре-диез, соль-диез. В ритм-энд-блюзе часто используется «стоп-тайм»: двухтактовая пауза после первой ноты композиции. Во время паузы партию исполняет только солист. Через два такта мелодию подхватывают остальные музыканты.
Хотя в ритм-энд-блюзе используются тональности, удобные доля гитариста, часто в ансамблях присутствует и саксофон. Блестящими ритм-энд-блюзовыми саксофонистами были Иллинойс Джекет, Хэл Сингер, Максвелл Дэйвис, Джек Мак Ви и Уайлд Билл Мур.
Отличается ритм-энд-блюз прежде всего ритмической основой. Акценты музыканты делают на слабые доли такта: на вторую и четвертую. Но весь смак ритм-энд-блюза заключается в более мелких ритмических прорисовках. Это, прежде всего, свинговый триольный ритм, который является наследием джаза. Что такое свинг? Свинг – это оттяжка ноты. Несмотря на то, что в партитуре две восьмые ноты равны по длительности, музыкант несколько затягивает одну из них. В результате следующая нота получается короче. Такое раскачивание мелодии называют свингом. Музыканты делятся на тех, кто обладает чувством свинга, и тех, кто свинговать не умеет. Последние не способны исполнять настоящий блюз и джаз. barracuda18659
Роберт Лирой Джонсон родился 8 мая 1911 года в местечке Хейзельхерст (штат Миссисипи, США). Он был потрясающим блюзовым гитаристом. Творчество Роберта Джонсона составило основу послевоенного чикагского блюза. Роберт Джонсон считал своими учителями Чарли Паттона, Сона Хауса, Айка Циммермана. Технические приемы владения музыкальными инструментами были переняты Джонсоном именно у этих музыкантов.
Заслуга Джонсона прежде всего в том, что он прекрасно интерпретировал казалось бы простые музыкальные произведения. Он ломал все блюзовые каноны. Джонсон один из первых интерпретаторов в блюзе.
Первая пластинка Роберта Джонсона называлась"Terraplane Blues". Она хорошо продавалась. Однако исследователи творчества Р. Джонсона так не смогли обнаружить других записей музыканта. Стало известно, что Р. Джонсон с 1936 по 1937 год записывался на студии 5 раз. Результатом его работы стала запись 29 композиций. Тридцатая же композиция осталась ненайденной, так как носила непристойный характер и была исполнена исключительно в шутку и по просьбе звукорежиссера. Неизвестно также, какие из записанных композиций входили в постоянный репертуар музыканта. Известно только, что лишь одна песня "Come on in My Kitchen" была репертуарной.
По свидетельству современников, Роберт Джонсон был очень застенчив и нелюдим. Когда он записывался на студии, то предпочитал поворачиваться к звукорежиссерам спиной. Он пел, смотря угол комнаты. Некоторые считали, что Джонсон добивался тем самым более четкого звучания голоса и инструмента, называя этот прием 'corner loading'. И действительно, его блюзы звучат очень четко и чисто.
Уже на первом сеансе звукозаписи Роберт Джонсон записал восемь блюзов, которые звучат без всяких украшений. Вкомпозицияхнетничеголишнего. "Kind-Hearted Woman", "I Believe I'll Dust My Broom" и "Sweet Home Chicago" исполняются «ботлнеком». В их основе лежат облегченные ритмические структуры, которые станут впоследствии отличительной чертой чикагского блюза послевоенного периода.
На втором сеансе записи Роберт Джонсон исполнил восемь композиций, среди которых "Walkin' Blues" и "Cross Road Blues". Поседний представляет легенду, повествующую о том, что Джонсон ради мастерства исполнения блюзов заключил договор с дьяволом. Тогдажебылизаписаны "Preachin' Blues" и "If I Had Possession over Judgement Day".
Исследователи отмечают, что Роберт Джонсон прекрасно умел передавать через манеру исполнения блюзов широчайший диапазон эмоций: от меланхолии и нежности до сумасшествия. Таковы "Hellhound on My Trail" и "Me and the Devil". Многие исследователи считают эти композиции исповедями музыканта.
Эмоциональность блюзов Джонсона объясняется, вероятно, во многом его стремлением произвести впечатление на слушательниц. Музыкант, несмотря на скромность и застенчивость, увлекался женщинами, многие из которых были замужем. За это Джонсон и поплатился жизнью. В баре Три Форкс, который находился поблизости от Гринвуда, что в штате Миссисипи, музыканта отравил муж одной из женщин, которой Джонсон увлекся. Музыканту в спиртное подсыпали яд. Он скончался 16 августа 1938 года.
Дискография Роберта Джонсона: King of the Delta Blues Singers (Sony Music) - 1961 King of the Delta Blues Singers Volume 2 (Sony Music) - 1970 The Complete Recordings, 2CD (Sony Music) - 1990 All Time Blues Classics (Music Memoria) - 1996 King of the Delta Blues (Sony Music) - 1997 Gold Collection, 2CD (Retro Music) - 1998 Masters (Cleopatra) - 1998 Delta Blues Legend: Masterworks, Vol. 13, 2CD (Charly) - 1999 Steady Rollin' Man, 2CD (Recall) - 1999 Genius of the Blues (Definitive) - 2000 Hellhound on My Trail (TRO M57935) barracuda18659
Динозавры рок-музыки, группа-долгожитель, которая не сопоставима ни с кем, кроме, пожалуй, «The Beatles». В конце 60 в начале 70-х годов роллинги провозгласили себя «величайшей рок-н-ролльной группой в мире». В это же время сформировался стиль музыки, которую они исполняли: это был чикагский блюз с элементами ритм-энд-блюза.
История группы началась в Дартфордской начальной школе, где встретились Мик Джеггер и Кит Ричарде. Им нравился блюз и ритм-энд блюз. К ним присоединился гитарист Дик Тейлор. Брайан Джонс – четвертый участник группы – вообще не появлялся в школе. Он занимался музыкой, играл на саксофоне и кларнете. В шестнадцать лет он успел заделать двух детей и скрыться от них в Скандинавии, где стал заниматься на электрогитаре. После возвращения в Лондон он завел знакомство с блюзменом Алексисом Корнером и начал играть в его команде «Alexis Korner's Blues Inc.». После этого Брайан Джонс некоторое время работал в блюзовых клубах. В группу «Blues Inc.» пришли Мик Джеггер и Кит Ричарде. Компания поселилась в одной квартире в Лондоне. Музыканты записали демо-версию своих блюзовых композиций, которую представили продюсерам. Но демка продюсерам не приглянулась. Иэн Стюарт – один из участников команды – кормил безработных музыкантов. Дик Тейлор покинул группу. Джеггер, Ричарде и Стюарт придумали себе название «The Rolling Stones». Название было заимствовано из одноименной композиции Мадди Уотерса.
Состав группы постоянно менялся. В 1962 году ее участниками были Мик Джеггер, Кит Ричарде, Брайан Джонс, Дик Тейлор и Мик Эйвори. Тейлора сменил бас-гитарист Билл Уаймен, место Эйвори занял барабанщик Тони Чемпен, который совершенно не владел инструментом. В 1963 году его сменил Чарли Уоттс.
Группа подписала контракт на восемь месяцев с Джорджио Гомелски, который некоторое время и был, как бы это назвали сейчас, продюсером группы. Позже его место занял Эндрю Луг Олдхэм, которому и пришла в голову мысль, чтобы роллинги составили конкуренцию битлам.
Первой композицией команды стала песня Чака Бери "Come On". Роллинги стали появляться на телевидении, выступили на фестивале "National Jazz And Blues Festival", а затем отправились гастролировать по лондонским ночным заведениям. В 1963 году роллинги спели композицию битлов «I Wanna Be Your Man», а 1964 году записали песню Бодди Холли "Not Fade Away", которая оказалась на четвертой строчке английского хит-парада.
Пресса назвала роллингов сенсацией в мире музыки. К этому добавился слух о том, что музыканты отправляют малую нужду прямо на сцене. В 1964 году роллинги выпустили свой первый альбом, прокатились с гастролями по США. В это время в Англии композиция роллингов "Little Red Rooster" оказалась на вершине хит-парада, хотя ее ротация так и не состоялась, потому как песня была неприличной.
В 1965 году хитом стала песня "The Last Time". В том же году роллинги записали второй альбом The Rolling Stones 2"(другое название "12 Х 5"). Хитом стал "Satisfaction". ДжеггериРичардсвыдавалишлягерзашлягером: "Get Off My Clouds", "Time Is On My Side", "As Tears Go By", и "Tell Me". Вэтомжегодупоявилсямини-альбомроллингов "Got Live If You Want It".
В диск "Aftermath" (1966 года) состоял исключительно из авторских композиций Джеггера и Ричардса. Но эта пластинка не стала яркой на фоне работ TheBeatles (диск "Revolver") и Боба Дилана ("BlondeOnBlonde"). В 1966-67 годаххитамистановились "Paint 11 Black" и "Ruby Tuesday", "Mother's Little Helper", "19th Nervous Breakdown", "Have You Ever Seen Your Mother, Baby (Standing In The Shadow)" и "Lady Jane".
В 1967 году произошел очередной скандал: на «Шоу Эдда Салливена» в композиции "Let's Spend The Night Together" Мик Джаггер промычал первые строчки песни, которые были нецензурными. А немного позже роллингов арестовали, обвинив в хранении наркотических веществ. Суд вынес обвинительный приговор, но срок роллинги получили условно. Музыканты разъехались после этого инцидента: Брайан Джон - в Марокко, Мик Джеггер – в Индию, Кит Ричарде просто уехал в глубинку и стал пьянствовать.
После того, как группа собралась вновь, роллинги выпустили альбом "Their Satanic Majesties Request", на котором была психоделическая музыка. Этот альбом был конкурентом "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". В 1968 году вышел альбом "Beggar'sBanquet", который вышел с большой задержкой и со скандальной обложкой – с унитазом на фоне стены. Критики назвали этот альбом группы лучшим. В 1969 году из группы ушел Брайан Джонс, которого сменил Мик Тейлор. Джонса нашли мертвым в бассейне в собственном особняке. Общественности было сказано, что это несчастный случай.
После этого вышел альбом "Let It Bleed", который стал ироническим парафразом на альбом битлов "Let It Be". В 1969 году состоялось очередное турне роллингов по США. На одном из концертов, который состоялся в Алтакмонте, был убит один из чернокожих поклонников группы Мередит Хантер. Об этом инциденте есть документальный фильм "Gimme Shelter". После этого роллингов обвинили в том, что они своими композициями пропагандируют насилие. После этого вышел альбом "Ger Yer Ya-Ya's Out", который также завоевал право называться золотым.
В 1970 году роллинги обзавелись своей студией звукозаписи «Rolling Stones Records». Первый альбом, который был записан на студии, назывался "Sticky Fingers". Именно на его обложку появился знаменитый высунутый язык. Его придумал художник Энди Уорхол. В 1971 году Мик Джеггер обзавелся женой, которая была родом из Никарагуа. Она была фотомоделью. Ее звали Бьянка Перес Моренце де Масиас. Она была аристократкой. Общественность стала поговаривать о закате роллингов, но после выхода альбома "Exile On Main Street", который стал платиновым, все успокоились.
В последующие году группа на гастроли отправлялась редко, но при этом все билеты на их концерты распродавались в короткие сроки. Самым неудачным альбомом роллингов считается "Goat's Head Soup", несмотря на то, что он стал «золотым». После выхода диска Мик Тейло ушел из группы. Роллинги обратились к сейшнменам, чтобы записать альбом "Black And Blue". Среди них нашелся Род Стюард, который и сменил Мика Тейлора.
Альбом "Some Girls" стал восемь раз «платиновым». Альбом "Tattoo You" (1981 года выпуска) был «платиновым» 10 раз. Неплохо получился альбом "Still Life". Но хитом 80-х годов стал альбом "Steel Wheels".
В 90-е годы вышел диск роллингов под названием "Voodoo Lounge". Роллинги совершили большое мировое турне, заработали кучу денег. В 1997 году вышел альбом "Bridges To Babylon", который стоит внимания поклонников группы. Особенность альбома в том, что в нем сосредоточены самые последние достижения в музыке того периода. Роллинги всегда двигались в ногу со временем. В их творчестве отразились элементы практически всех музыкальных стилей и направлений.
В 2007 году роллиги приезжали с концертом в Россию. Они выступили на Сенатской площади Санкт Петербурга, где была собрана огромная сцена. Звук и световые эффекты поражали воображение. Роллинги исполнили старые хиты и новые творения. В настоящее время группа жива. «TheRollingStones» навсегда вошли в историю музыки как культовая группа, драйв от которой соизмерим только с группой «TheBeathles». barracuda18659
Эрик Патрик Клептон родился 30 марта 1945 года в Англии в местечке Ripley, Surrey. Своего отца он не знал. Его воспитывали дед с бабкой. Мать его бросила. А после того, как через 12 лет она вернулась, Патрик стал называть ее сестрой. В школе его не уважали, считали слабым и худосочным. Приблизительно такими же были и его товарищи, которые слушали записи знаменитого блюзмена Buddy Holly. Когда ребенку исполнилось 14 лет он стал учиться играть на гитаре.
Конечно же, кумирами того времени были Чак Берри и Бо Диддли. Также регулярно прослушивались «Rolling Stones», Лемон Джефферсон, Son House и Скип Джеймс. Началось увлечение чикагским блюзом и Би Би Кингом. Нужно сказать, что в то время джаз и блюз были на подъеме.
В 1962 году Эрик продолжал обучение в KingstonCollegeofArt (Колледж искусств в Кингстоне). Он вращался в среде музыкантов, которые играли в «Blues Incorporated», которую создал Алексис Корнер. Клэптон был настолько вдохновлен блюзами этой группы, что организовал в 1963 году команду, которая называлась «The Roosters» («Петухи»). Эрику было всего 17 лет. Команда просуществовала всего 9 месяцев, а потом распалась, потому что не было денег. После этого Клэптон целых две недели играл в группе «Casey Jones and the Engineers». Затем после образования роллингов, которые работали с Yardbirds, которые и пригласили Клэптона дублировать Мика Джаггера.
Клэптона стали называть «медленная рука». Прозвища были распространены в среде блюзовых музыкантов. Все потому, что Эрик умел продляя звучание струны дрожанием пальцев левой руки. Он потрясающе исполнял соло на гитаре. В 1965 году Эрик покинул «Yardbirds». Эрик посчитал, что просто перестал развиваться в музыкальном отношении.
Вскоре Клэптона пригласили в «Bluesbreakers». Это была команда, которая одна из немногих исполняла чистый блюз. Многие критики считают, что участие Клэптона в группе было расцветом его творчества. Именно в это время поклонники его творчества расписывали стены домов, общественные туалеты, станции метрополитена надписями «Clapton Is God».
Но после этого Клэптон, некоторое время поиграв с Mayall, отправился с группой бродячих музыкантов странствовать по миру. Команда музыкантов называлась «Тhe Glands». Затем Клэптон вернулся в Лондон.
Вскоре Клэптон играет в группе «Сream». Лучшей песней, которую исполнили музыканты группы в 1966, была «Wrapping Paper». Она была включена в дебютный альбом группы «Fresh Cream». Альбом получился разношерстный. Композиций много, но они стилистически не выдержаны. Следующий альбом группы «Disraeli Gears» почему-то чисто блюзовых композиций не содержал вовсе. Альбом получил статус «золотого». Стоит отметить альбом «Wheels of Fire». Этот альбом был во многом экспериментальный. Здесь и губная гармоника, и гитара, и оригинальные ударные, и соло-гитара, и акустическая гитара, и виолончель. Звучание потрясающее и интересное. Альбом получил статус «платинового». Музыканты получили за него более 2 млн. фунтов стерлингов. Но Клэптон как-то заметил по поводу этого альбома, что звучащие там импровизации – это постепенно выработанные клише каждого из музыкантов. На этом в творчестве группы была поставлена точка. Музыканты записали последний альбом «Goodbye» и расстались. Причины распада команды носили сугубо личный характер. Клэптон же заявил о том, что ему просто надоело играть поп-музыку, что он блюзовый гитарист и не намерен далее продолжать заниматься исполнением популярной музыки. В 1968 году группы не стало.
Клэптон перешел в команду «Blind Faith». В это время он увлекся игрой в ансамбле. Он стал играть американский фольк-рок. К этому его побудило творчество американской фольк-группы "Дилэйни, Бонни и их друзья", а именно то, с каким вдохновением они исполняли музыкальные композиции. Эрик познакомился с этими музыкантами и стал гастролировать с ними. Именно они научили его получать кайф от исполнения блюзов.
Но знакомство имело и обратную сторону. Гастроли в Германии провалились. Клэптон и его новые друзья были освистаны публикой. Кроме этого, Дилэйни, Бонни и вся их команда поселились в особняке Клэптона и превратили его в свинарник. Они пьянствовали и курили марихуану. Тем не менее гастроли по Великобритании прошли удачно. После них Эрик Клэптон решил начать сольную карьеру.
Свою первую пластинку, которая называлась «Eric Clapton», музыкант выпустил в 1970 году на студии «Village Recorders» (Лос-Анджелес).
Дискография Эрика Клэптона: 1964 - Five Live Yardbirds 1965 - Sonny Boy Williamson And The Yardbirds (by same) 1966 - Blues Breakers (John Mayall with Eric Clapton) 1966 - Fresh Cream 1967 - Disraeli Gears 1968 - Wheels Of Fire (2CD) 1969 - Goodbye 1969 - Blind Faith 1970 - On Tour With Eric Clapton And Friends (Delaney And Bonnie) 1970 - Live Cream 1970 - Eric Clapton 1970 - Layla And Other Assorted Love Songs (Derek & the Dominos) 1970 - After Midnight 1972 - Live Cream Volume II 1973 - In Concert (remixed and released as Live At The Fillmore) (2CD) 1973 - Eric Clapton's Rainbow Concert (remixed and rereleased Oct/95?) 1974 - I Shot The Sheriff 1974 - 461 OCEAN BOULEVARD 1974 - Willie And The Hand Jive 1975 - Swing Low Sweet Chariot 1975 - THERE'S ONE IN EVERY CROWD 1975 - Knockin' On Heaven's Door 1975 - E.C. WAS HERE 1976 - NO REASON TO CRY 1976 - Hello Old Friend 1977 - Carnival 1977 - SLOWHAND 1977 - Lay Down Sally 1978 - Wonderful Tonight 1978 - Promises 1978 - BACKLESS 1979 - If I Don't Get There By Morning 1980 - JUST ONE NIGHT 1980 - Tulsa Time 1980 - Blues Power (live) 1981 - I Can't Stand It 1981 - ANOTHER TICKET 1981 - STEPPIN' OUT 1982 - TIME PIECES/THE BEST OF ERIC CLAPTON 1983 - I've Got A Rock 'n' Roll Heart 1983 - MONEY AND CIGARETTES 1983 - The Shape You're In 1983 - Slow Down Linda 1983 - TIME PIECES II 1984 - BACKTRACKIN' 1985 - Forever Man 1985 - BEHIND THE SUN 1985 - See What Love Can Do 1985 - She's Waiting 1985 - Edge of Darkness 1986 - AUGUST 1987 - Behind The Mask 1987 - It's In The Way That You Use It 1987 - ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK "Lethal Weapon" 1987 - Tearing Us Apart 1987 - THE CREAM OF ERIC CLAPTON 1987 - Holy Mother 1988 - CROSSROADS 1988 - ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK "Lethal Weapon 2" 1989 - ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK "HOMEBOY" 1989 - JOURNEYMAN 1989 - Pretending 1989 - Before You Accuse Me 1990 - Bad Love 1990 - No Alibis 1991 - 24 NIGHTS 1991 - Wonderful Tonight (live) 1991 - THE BEST OF ERIC CLAPTON 1992 - ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK "RUSH" 1992 - ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK "Lethal Weapon 3" 1992 - Tears In Heaven 1992 - UNPLUGGED 1992 - Layla (acoustic) 1994 - WHITE BOY BLUES 1994 - FROM THE CRADLE 1994 - Motherless Child 1996 - Five Long Years 1996 - Change The World 1996 - Crossroads 2 (4CD) 1998 - STRICTLY THE BLUES 1998 - PILGRIM 1998 - My Father's Eyes 1998 - BLUES COLLECTION 1998 - Circus 1998 - She's Gone 1998 - Pilgrim 1998 - EARLY GREATEST 1999 - BLUES 1999 - (I) Get Lost 1999 - Blue Eyes Blue 2000 - STAGES 2000 - 31 ROCK GUITAR STANDARDS 2000 - TELEPHONE BLUES 2000 - Riding With The King 2000 - I Wanna Be 2001 - REPTILE 2001 - I Ain't Gonna Stand For It 2001 - Believe In Life 2002 - ONE MORE CAR, ONE MORE RIDER 2003 - Higher Ground 2003 - BALLADS 2004 - ME & MR. JOHNSON 2004 - THE BLUES ROOTS OF ERIC CLAPTON
2004 - 2OTH CENTURY MASTERS: THE MILLENIUM COLLECTION barracuda18659
Король блюза. Легенда блюзовой музыки. Потрясающий драйвовый гитарист 20 столетия, которого можно узнать по нескольким характерным блюзовым гитарным рифам, один из которых - гитарная трель. Этому приему Кинга научил его кузен – великолепный блюзовыймузыкант. В период с 1951 по 1985 год композиции Би Би Кинга занимали верхние строчки в чартах. Он мастер блюзовых шлягеров.
Родился музыкант в местечке Итта Бена, что в дельте Миссисипи. Настоящее имя Би Би Кинга Райли Би Кинг. В юности он работал на бескрайних хлопковых плантациях и пел псалмы в местной церкви. В 1943 году он переехал в Индианолу. Его музыкальные пристрастия определили многочисленные исполнители кантри и госпел-музыки. Следут назвать имена Ти-БонкаУолкера, Лонни Джонсона, джазменов Чарли Крисчена, Джанго Рейнхардта.
В 1946 году Кинг отправляется в Мемфис к своему кузену Букка Уайту, который был прекрасным кантри-блюзовым гитаристом. Кинг задержался у него на целых 10 месяцев, которые не прошли даром: кузен многое разъяснил Кингу о технике игры на бюзовой гитаре. Позже Кинг надолго поселился в Мемфисе. Он занимался там изучением кантри-блюзовой музыки. Через некоторое врем Кинг дал концерт блюзовой музыки в честь города Мемфис на одной из радиостанций для чернокожего населения WDIA. В это время и появилось прозвище музыканта "The Peptikon Boy", а за тем и «Blues Boy», которое в сокращении и дало B.B.
В 1949 году Кинг записывает 4 трека для компании Jim Bulleit's Bullet Records, а позже заключает контракт с лос-анджелесской студией RPM. Продюссировать музыкальные творения Кинга помогал его родственник Сэм Филипс, который имел свою студию звукозаписи и работал с музыкантами Холвином Волфом, Роско Гордоном и Руфусом Томасом. Многие композиции великого блюзмена записала компания "Biharis". В 1951 году на граммофонной пластинке, записанной Лоуэллом Фулсоном, вышел первый национальный чарт Кинга "Three O'Clock Blues". Это состоялось в Мемфисе. Кинг в то время работал с музыкантами Бобби Блэндом (вокал), Эрлом Форестом (барабаны), Джонни Эйсом (пианино). «Three O'Clock Blues» был исполнен с группой Джонни Эйса «Beale Streeters».
Известно, что гитара Кинга марки «Гибсон» имела женское имя, которое Кинг дал ей сам. История такова… В небольшом поселке Твист в штате Арканзас во время концерта Кинга случилась драка между молодыми людьми которые не поделили сердце одной девушки. В результате драки был разлит керосин и здание, где проходил концерт, загорелось. В панике народ хлынул на улицу. Кинг, спасаясь от огня, оставил в здании свою гитару и вернулся за ней в горящее здание, едва избежав смерти. Уже после он узнал, что девушку, ставшую невольной причиной драки, звали Люссиль. Этим именем он и назвал музыкальный инструмент.
В 1950 году Кинг становится по-настоящему популярным. Его авторитет в ритм-энд-блюзе был непререкаем. Он записывается на студиях в Лос-Анджелесе. Здесьонсоздаетсвоилегендарныекомпозиции"You Know I Love You" (1952); "Woke Up This Morning" и "Please Love Me" (1953); "When My Heart Beats like a Hammer," "Whole Lotta' Love," и "You Upset Me Baby" (1954); "Every Day I Have the Blues", романтическиеблюзовыебаллады "Sneakin' Around," и "Ten Long Years" (1955); "Bad Luck," "Sweet Little Angel," ипеснювдухе "Platters" "On My Word of Honor" (1956); и "Please Accept My Love" (1958).
В 1960 году Кинг потрясающе исполнил старую композицию Джо Тернера "Sweet Sixteen". Его песни "GotaRighttoLoveMyBaby" и "Partin' Time" также разрывали публику от восторга на части. Почти целое десятилетие Кинг работал со звукозаписывающей компанией "Kent". Но в 1962 году он ушел к компании ABC-Paramount Records, которая работала с Ллойдом Прайсом, Рэйем Чарлзом и Фэтсом Домино.
Через два года в 1964 выходит альбом Би Би Кинга "Live at the Regal", презентация которого состоялась в знаменитом чикагском театре "Chicago". Это был просто триумф блюза. Особо выделяют композицию "How Blue Can You Get" из этого альбома. В 1966 году композиции Кинга "Don'tAnswertheDoor" и "PayingtheCosttoBeTheBoss" снова занимают верхние строчки чартов в категории ритм-энд-блюз.
В 1969 год состоялось знаковое событие в истории блюза: Би Би Кингу удалось по-новому исполнить композицию Роя Хопкинса "The Thrill Is Gone". Исполнение отличал мощный вокал и пронзительная великолепная душераздирающая партия скрипки в миноре. Публика обратила внимание на Кинга как на исполнителя не только ритм-энд-блюза, почувствовав, что его талант гораздо шире рамок одного отдельного музыкального направления.
В 1973 году Кинг записывает "ToKnowYouIstoLoveYou" и "ILiketoLivetheLove", работает с группой "Crusaders", с которой записывает композицию в стиле фанк "Never Make Your Move Too Soon". В этот период Кинг работал по 300 концертов в год.
В 1993 году вышел диск "Blues Summit", где Кинг возвращается к истокам свого творчества. А в 1999 году появился еще один шедевр Би Би Кинга – альбом "LettheGoodTimesRoll: TheMusicofLouisJordan". barracuda18659
Дискография Би Би Кинга: 1956 Singin' the Blues / Crown 1960 The Blues / Crown 1960 B.B. King Wails / Crown 1960 Sing Spirituals / Crown 1961 My Kind of Blues / Crown 1961 More / Crown 1962 Blues in My Heart / Crown 1962 Twist with B.B. King / Crown 1962 Blues for Me / United 1962 Easy Listening Blues / Crown 1962 Heart Full of Blues / United 1963 Mr. Blues [ABC] / ABC 1963 Swing Low / United 1964 Rock Me BabyKent 1965 Boss of the Blues / United 1965 Confessin' the Blues / ABC 1965 Let Me Love You / United 1965 Live! B. B. King on Stage / United 1965 Live at the Regal / ABC/MCA 1966 The Original Sweet Sixteen / United 1966 The Soul of B. B. King / United 1966 Turn on to B.B. King / Kent 1966 9 X 9.5 / United 1967 The Jungle / Kent 1967 R&B Soul / Ember 1967 Blues Is King [MCA] / MCA 1968 Blues on Top of Blues / BGO 1968 Lucille / MCA 1969 The Feeling They Call the Blues, Vol. 2 / Trio 1969 The Feeling They Call the Blues / Trio 1969 Completely Well / MCA 1969 Live & Well / BGO 196 B.B. King / Crown 196 From the Beginning / Kent 1970 Back in the Alley / MCA 1970 Take a Swing with Me / Blue Horizon 1970 The Incredible Soul of B.B. King / Kent 1970 Indianola Mississippi Seeds / MCA 1971 In London / ABC 1971 Live in CookCounty Jail / MCA 1972 Guess Who / MCA 1972 L.A. Midnight / ABC 1973 To Know You Is to Love You / MCA 1974 Friends / ABC 1974 Together for the First Time / Dunhill 1974 Together for the First Time...Live / Dunhill 1975 Lucille Talks Back / MCA Special Pr 1976 King of the Blues [MCA LP] / MCA 1976 Together Again...Live / Impulse! 1977 The Electric B.B. King / ABC 1977 King Size / ABC 1978 Midnight Believer / MCA 1979 Take It Home / MCA 1980 Rarest B.B. King Blues Boy 1980 Live "Now Appearing" at Ole Miss / MCA 1981 There Must Be a Better World Somewhere / MCA 1982 Love Me Tender / MCA 1983 Blues 'n' Jazz / MCA 1985 King of the Blues Guitar / Ace 1986 Ambassador of the Blues / Crown 1987 Blues Is King 1988 1987 Introducing B.B. King / MCA 1987 One Nighter Blues Ace 1988 King of Blues: 1989 / MCA 1988 Six Silver Strings / MCA 1988 Doing My Thing, Lord / Kent 1988 Live at the Regal/Live in the Cook Country... / MCA 1988 Across the Tracks / Ace 1989 Lucille Had a Baby / Ace 1989 Got My Mojo Working / MCA 1990 Live at the Apollo / GRP 1991 Live at San Quentin / MCA 1992 There Is Always One More Time / MCA 1992 Why I Sing the Blues / MCA 1993 Better Than Ever / Kent 1993 I Just Sing the Blues / Kent 1993 You Done Lost Your Good Thing NowKent 1993 Blues Summit / MCA 1993 Mr. Blues [King] / King Blues 1994 B.B. King/Mayfield/Flack / Castle 1994 Kansas City 1972 [live] / Charly 1995 Catfish / Blues Drive 1995 B.B. King & Friends [Allegro] / Allegro 1995 Lucille & Friends / MCA 1997 Paying the Cost to Be the Boss / Delta 1997 Deuces Wild / MCA 1998 King Biscuit Flower Hour Presents B.B. King [live] / King Biscuit 1998 Blues on the Bayou / MCA 1999 Live in Japan / MCA 1999 Let the Good Times Roll: The Music of Louis... / MCA B.B. Boogie / Magnum Door to Door / Vogue Live at Newport / Intermedia Swing Low Sweet Chariot / Trace Lonely Nights / Trace
Сборники, компликации 1960 The Great B.B. King (B. B. King and His... / Crown 1961 King of the Blues [Crown] / Crown 1962 I Love You So / Crown 1966 Greatest Hits, Vol. 1 / United 1968 His Best: The Electric B.B. King / Bluesway 1968 B.B. King Story / Blue Horizon 1969 Anthology of the Blues: B.B. King / Kent 1969 B.B. King Story 2 / Blue Horizon 196 The Greatest Hits of B.B. King / Kent 1973 The Best of B.B. King [ABC] / ABC 1974 Greatest Hits [ABC] / ABC 1976 B.B. King Anthology / ABC 1981 The Best of B.B. King [Ace] / Ace 1981 Great Moments with B.B. King / MCA 1982 Memphis Masters / Ace 1985 The Best of the Memphis Masters / Ace 1985 The Collection: 20 Blues Greats / Deja Vu 1986 Completely Live & Well / Charly 1987 Greatest Hits: B.B. King / Lotus 1987 The Best of B.B. King, Vol. 2 / Ace 1988 B.B. King Story, Vol. 1 / Joker 1988 B.B. King Story, Vol. 2 / Joker 1988 Greatest Hits [Music Power] / Music Power 1988 The Electric B.B.: His Best / MCA 1988 Do the Boogie! B.B. King's Early '50s... / Flair 1989 Do the Boogie / Ace 1991 The Best of B.B. King, Vol. 1 / Flair 1991 Spotlight on Lucille / Flair 1991 A Classic Revisited / MCA 1991 The Fabulous B.B. King / Flair 1992 Singin' the Blues/The Blues / Flair 1992 King of the Blues [Box] / MCA 1992 Heart & Soul / Pointblank 1993 Unexpected: Just Guitar / Kent 1993 My Sweet Little Ange / lFlair 1994 How Blue: Best of B.B. KingAlex 1994 Collection [Castle] / Castle 1994 The Best of B.B. King [Cema] / CEMA 1995 How Blue Can You Get / Prime Cuts 1995 Greatest Hits (1951-1960) / Alex 1995 Early Blues Boy Years, Vol. 1: 1949-51 / Opal 1995 Early Blues Boy Years, Vol. 2: 1952-54 / Opal 1995 King of the Blues [Pickwick] / Pickwick 1996 A Blues Night / King 1996 Favorite Gospel Hymns / King 1996 Collection [Boxsets] / Boxsets 1996 Classics / Intercontinent 1996 How Blue Can You Get: Classic Live 1964-94 / MCA 1997 The Very Best of B.B. King, Vol. 1Leader / Music 1997 Collector's Edition [Intercontinental] / Intercontinent 1997 Original Blues Masters / Boxsets 1997 Blues Collection / Galaxy 1997 Revue Collection / Revue 1998 Every Day I Have the Blues / Planet Enterta 1998 Greatest Hits [MCA] / MCA 1998 B.B.'s Boogie / Mastertone 1998 Back 2 Back / Masters 1998 Back 2 Back [Excelsior] / Excelsior 1999 Collection [Madacy] / Madacy 1999 Thrill Is Gone [Jazz Hour] / Jazz Hour 1999 RPM Hits 1951-1957 / Ace 1999 Best of B.B. King: 20th Century Masters / MCA 1999 Forever Gold / St. Clair 1999 His Definitive Greatest Hits / Polygram Inter 2000 He's Dynamite / Ace Blues 'n' Jazz/Electric B.B. King / MCA The Best of B.B. King [MCA] / MCA B.B. King: Blues Collection / Collection The World of B.B. King: Lonely Nights / Trace 16 Original Big Hits / Fantasy The Best of B.B. King / MCA Treasures from the Vault / Jewel
Дискография концертных выступлений: LIVE AT THE REGAL: A CLASSIC REVISITED (1964) LIVE AT THE REGAL/LIVE AT COOK COUNTYJAIL (1964) LIVE AT THE REGAL (GOLD DISC) (1964) BLUES IS KING (1967) LUCILLE (GOLD DISC) (1968) THE ELECTRIC B.B. KING - HIS BEST (1968) LUCILLE (1968) GREAT MOMENTS WITH B.B. KING (1968) COMPLETELY WELL (GOLD DISC) (1969) COMPLETELY WELL (1969) INDIANOLA MISSISSIPPI SEEDS (1970) LIVE IN COOK COUNTYJAIL (1971) B.B. KING IN LONDON (1971) GUESS WHO (1972) TO KNOW YOU IS TO LOVE YOU (1973) BEST OF B. B. KING (1973) BACK IN THE ALLEY: THE CLASSIC BLUES OF B. B. KING (1973) TOGETHER FOR THE FIRST TIME...LIVE (1974) LUCILLE TALKS BACK (1975) TOGETHER AGAIN...LIVE (1976) MIDNIGHT BELIEVER (1978) NOW APPEARING AT OLE MISS (1980) THERE MUST BE A BETTER WORLD SOMEWHERE (1981) LOVE ME TENDER (1982) BLUES 'N' JAZZ (1983) FRIENDS (1983) by Larry Carlton SIX SILVER STRINGS (1985) SPOTLIGHT ON LUCILLE (1986) BEST OF B. B. KING, VOL. 1 (1986) CHARACTERS (1987) by Stevie Wonder STRAWBERRY MOON (1987) by Grover Washington, Jr. RATTLE AND HUM (1988) by U2 DO THE BOOGIE! B.B. KING'S EARLY 50S CLASSICS (1988) JUST BETWEEN US (1988) by Ray Charles KING OF THE BLUES: 1989 (1989) GOT MY MOJO WORKING (1989) SING THE BLUES (1990) by Simpsons LIVE AT SAN QUENTIN (1990) THE FABULOUS B.B. KING (1991) THERE IS ALWAYS ONE MORE TIME (1991) LIVE AT THE APOLLO (1991) GOIN' IN YOUR DIRECTION (1992) by Sonny Boy Williamson AFTER HOURS (1992) by Gary Moore KING OF THE BLUES [BOX] (1992) I HEARD YOU TWICE THE FIRST TIME (1992) by Branford Marsalis THE GOLDEN YEARS [BOX] (1992) by The Jazz Crusaders SIX PACK (1992) by Gary Burton & Friends MY SWEET LITTLE ANGEL (1993) BLUES SUMMIT (1993) COLLINS MIX (THE BEST OF ALBERT COLLINS) (1993) by Albert Collins ALL BLUES (1994) by The GRP All-Star Big Band HEART TO HEART (1994) HEART & SOUL: A COLLECTION OF BLUES BALLADS (1995) LIFELINES (1995) by Peter, Paul & Mary VINTAGE BLUES VOL. 1 (1996) by Various Artists COLLECTION by Larry Carlton ROYAL JAM by The Jazz Crusaders THE VOCAL ALBUM by The Jazz Crusaders KOOL JAZZ - LIVE AT MIDEM by Various Artists I LIKE TO LIVE THE LOVE THE BLUES: A REAL SUMMIT MEETING by Various Artists THE BLUES: A REAL SUMMIT MEETING by Various Artists CUTTIN' LOOSE by Chris Cain Band B.B. KING - BLUES COLLECTION BLUES 'N' JAZZ/THE ELECTRIC B.B. KING EVERYDAY I HAVE THE BLUES: BEST OF B. B. KING SINGIN' THE BLUES/THE BLUES WHY I SING THE BLUES DEMONSTRATION AND TEST CD by Various Tests TRUMPET MASTERS, VOL. 5 -FROM THE BOTTOM by Sonny Boy Williamson TRUE BLUE by Calvin Owens TREASURES FROM THE VAULT by B.B. King/T-Bone Walker/Bobby Rush barracuda18659
Джаз. Джаз – уникальное музыкальное направление, которое сформировалось в США на рубеже 19-20 веков и дало толчок к развитию целой плеяды различных музыкальных жанров. Из джаза вышли бибоп, рок-н-ролл, ритм-енд-блюз, джаз-рок, фьюжн, фанк. Джаз можно назвать прадедушкой практически всех современных музыкальных жанров. А что же такое джаз? Истоки джаза следует искать в смешении, или, как говорят, в синтезе европейской и африканской музыкальных культур. Как это ни странно, джаз начался с Христофора Колумба. Разумеется, великий первооткрыватель не был первым исполнителем джазовой музыки. Но, открыв Америку для европейцев, Колумб положил начало взаимопроникновению европейской и африканской музыкальных традиций. Вы спросите: а при чем здесь Африка? Дело в том, что, осваивая американский континент, европейцы стали привозить сюда чернокожих рабов, переправляя их через Атлантику с западного побережья Африки. В период с 1600 по 1700 годы количество рабов на американском континенте перевалило далеко за сотни тысяч. Европейцы даже не догадывались о том, что вместе с рабами, переправленными на американский континент, они привезли туда африканскую музыкальную культуру, которая отличается потрясающим вниманием к музыкальному ритму. На родине африканцев музыка являлась непременным компонентом различных обрядов. Ритм имел здесь колоссальное значение, являясь основой коллективного танца, коллективной молитвы, иными словами, коллективного обряда. Характерными чертами африканской народной музыки являются полиритмия, ритмическое многоголосие и перекрестная ритмика. Мелодика и гармония здесь находятся практически в зачаточном состоянии. Этим определяется то, что африканская музыка более свободна, в ней имеется большее пространство для импровизации. Итак, вместе с чернокожими рабами европейцы привезли на американский континент то, что стало ритмической основой джазовой музыки. А какова же роль европейской музыкальной культуры в формировании джаза? Европа привнесла в джаз мелодику и гармонию, минорные и мажорные стандарты, солирующее мелодическое начало. Итак, родиной джаза стали Соединенные Штаты Америки. Историки джаза до сих пор спорят о том, где именно впервые стали исполнять джазовую музыку. На этот счет существуют два противоположных мнения. Одни полагают, что джаз появился на севере США, где уже в 18 веке английские и французские протестанты-миссионеры стали обращать негров в христианскую веру. Именно здесь возник совершенно особый музыкальный жанр «спиричуэлс» - это духовные песнопения, которые стали исполнять североамериканские негры. Песнопения отличались предельной эмоциональностью и во многом импровизационным характером. Из этих песнопений впоследствии и возник джаз. Сторонники другой точки зрения утверждают, что джаз появился на юге Соединенных Штатов, где подавляющее большинство европейцев были католиками. Они относились к африканцам и их культуре с особым презрением и пренебрежением, что сыграло положительную роль в сохранении самобытности африканского музыкального фольклора. Афроамериканская музыкальная культура темнокожих рабов отвергалась европейцами, что сохраняло ее аутентичность. На основе аутентичной африканской ритмики и сформировался джаз. Директор Нью-Йоркского Института джазовых исследований Маршалл Стернс – автор монографии «История джаза» (1956 г.) - показал, что дело обстоит гораздо сложнее. Он указал, что в основе джазовой музыки лежит взаимопроникновение западноафриканских ритмов, рабочих песен, религиозных песнопений американских негров, блюза, африканского фольклора прошлого, музыкальных композиций бродячих музыкантов и уличных духовых оркестров. Вы спросите, при чем здесь духовые оркестры? После окончания Гражданской войны в США многие духовые оркестры были расформированы, а инструменты распроданы. На распродажах духовые инструменты можно было приобрести практически даром. На улицах появилось множество музыкантов, играющих на духовых инструментах. Именно с распродажами духовых инструментов связан тот факт, что в джаз-бэндах присутствует их традиционный набор: саксофон, труба, кларнет, тромбон, контрабас. Основу представляют, конечно же, ударные. Центром джазовой музыки в США стал город Новый Орлеан. Его населяли очень свободомыслящие люди, не чуждые авантюризма. Кроме этого, город имеет выгодное географическое положение. Это благоприятные условия для синтеза музыкальных культур. Сформировался даже особый джазовый стиль, который носит название Новоорлеанского джаза. 26 февраля 1917 года здесь в студии «Victor» была записана первая грампластинка, на которой звучала джазовая музыка. Это был джазовый коллектив «Original Dixieland Jazz Band». Кстати, музыканты коллектива не были темнокожими. Это были белые американцы. В последующие годы джаз превратился из маргинального музыкального направления в достаточно серьезное музыкальное течение, которое овладело умами и сердцами широкой публики на американском континенте. Распространение джаза началось после закрытия в Новом Орлеане развлекательного квартала Сторивилла. Но это не значит, что джаз был только новоорлеанским явлением. Островками джазовой музыки были Сент-Луис, Канзас-Сити, Мемфис – родина регтайма, который оказал заметное влияние на формирование джаза. Интересно, что многие впоследствии выдающиеся джазовые музыканты и оркестры были обычными менестрелями, участвовавшими в специальных передвижных концертах: например, известный музыкант Джелли Ролл Мортон, оркестр Тома Брауна, «Креол Бэнд» Фредди Кеппарда. Оркестры давали концерты на пароходах, которые совершали рейсы по Миссисипи. Это, безусловно, способствовало популяризации джазовой музыки. Из таких оркестров вышли блистательные джазмены Бикс Бейдербейк, Джесс Стейси. В джазовом оркестре играла на фортепиано будущая супруга Луи Армстронга Лил Хардин. В 20-30-е годы прошлого века центром джаза стал город Чикаго, а затем и Нью-Йорк. Связано это с именами великих мастеров джаза Луи Армстронга, Эдди Кондона, Джимми Мак Партланда, Арта Ходеса, Барретта Димса и, конечно же, Бенни Гудмана, которые сделали очень многое для популяризации джазовой музыки. Основой джаза в 30-40-е годы 20 века стали биг-бенды. Оркестры возглавляли Дюк Эллингтон, Каунт Бэйси, Чик Уэбб, Бенни Гудман, Чарли Барнет, Джимми Лансфорд, Гленн Миллер, Вуди Герман, Стэн Кентон. Потрясающим зрелищем были «сражения оркестров». Солисты оркестров своими импровизациями доводили зрителя до исступления. Это было захватывающе. С тех пор биг-бенды в джазе – это традиция. В настоящее время выдающимися джазовыми оркестрами являются Джазовый оркестр Линкольн-Центра, Джазовый оркестр Карнеги Холл, Чикагский джазовый ансамбль и многие другие. barracuda18659
Мейнстрим – ведущий, основной джазовый стиль, который появился в 30-х годах 20 века в среде руководителей джазовых коллективов, большинство которых были биг-бэндами. Ведущие джазовые музыканты устраивали джемы в различных клубах, чтобы просто поиграть джаз. Этот клубный джаз, исполняемый небольшими коллективами ведущих джазменов и записываемый на студиях, и стал называться мейнстримом. Это традиционный джаз, без всякого новаторства. После наступления авангардного джаза мейнстрим возродился уже в новом качестве лишь в 70-80-х годах 20 века. В настоящее время современным мейнстримом называют любую современную джазовую музыку, которая далека от традиционного джаза.
Джазовая музыка Канзас-Сити оформилась в 20-х – 30-х годах прошлого века. Это было время экономического кризиса в США, или так называемой Великой депрессии. Это джазовый стиль с ярко выраженной блюзовой окраской, так называемый «городской блюз». Ярчайшими представителями этого стиля были Каунт Бэйси, который начинал свою карьеру джазмена в составе оркестров Уолтера Пэйджа и Бенни Моутена, вокалист Джимми Рашинг, альтсаксофонист Чарли Паркер.
Прохладный джаз (кул-джаз) оформился в 40-50-е годы 20 века. Это мягкий, лирический стиль джазовой музыки, с более тонкой импровизацией, без напора и некоторой агрессивности, которая была характерна раннему джазу. Представителями прохладного джаза были саксофонист Лестер Янг, трубач Майлз Дэвис, трубач Чит Бейкер, джазовые пианисты Джордж Ширинг, Дейв Брубек, Лени Тристано. Мастерами кул-джазового стиля были потрясающий вибрафонист Милт Джексон, мастера саксофона Стэн Гетц, Пол Десмонд. Немалую роль в формировании стиля сыграли мелодисты и аранжировщики Тэд Дамерон, Клод Торнхилл, Гил Эванс.
Уэст-коэст джаз появился в 50-е годы 20 века в Лос-Анджелесе. Его основоположниками считают музыкантов знаменитого джазового нонета Майлза Дэвиса. Этот стиль еще более мягкий, чем прохладный джаз. Совершенно не агрессивная, спокойная, мелодичная музыка, в которой, однако, имеется огромное пространство для импровизаций. Выдающимися исполнителями Уэст-коэст джаза были Шорти Роджерс (труба), Арт Пеппер, Бад Шенк (саксофон), Шелли Мэйн (ударные), Джимми Джоффри (кларнет).
Прогрессивный джаз сложился приблизительно в конце 40-х годов 20 века. Это в большей степени экспериментальный джаз, музыка, ориентированная на симфонические достижения европейских композиторов, на эксперимент в сфере тональностей и гармонии. Последователи этого стиля джазовой музыки стремятся отойти от шаблонов, от избитых приемов традиционного джаза. Они делают акцент на поиске и применении в джазе новых форм свинга: специфической техники исполнения музыки на различных инструментах, политональности, изменениях ритма. Развитие этого стиля связывают с именем пианиста Стэна Кентона и его оркестра, который записал целую серию альбомов «Artistry». Огромный вклад в прогрессивный джаз внесли аранжировщики Пит Руголо, Бойд Райберн и Гил Эванс, барабанщик Шелли Мейн, контабасист Эд Сафранский, тромбонист Кэй Уиндинг, певица Джун Кристи. Биг-бэнд Гила Эванса и музыканты под управлением Майлза Девиса записали целую серию альбомов музыки в этом стиле: «Майлз впереди», «Порги и Бесс», «Испанские рисунки».
Модальный джаз появился в 1950-х годах. Его появление связано с именами музыкантов-экспериментаторов: трубача Майлза Дэвиса и тенор-саксафониста Джона Колтрэйна. Эти музыканты заимствовали из классической музыкиопределенные лады, которые стали основой для построения джазовой мелодии и заменили аккорды. Этот джазовый стиль характеризуется отступлениями от тональности, что придает музыке особую напряженность, использованием национальных африканских, индийских, арабских и др. гамм, размеренностью, непостоянством темпа. Музыка стала строиться исключительно на мелодии, в основу которой легло использование ладов.
Соул-джаз появился в 50-е годы прошлого века. Соул-джаз центральным инструментом избрал орган. В основе соул-джаза лежит блюз и госпел. Этот стиль джаза отличается особой эмоциональностью, страстностью, использованием стремительных ритмов и захватывающих музыкальных переходов, басовых фигур. Публика, слушающая эту музыку, непременно испытывала особое чувство единения. Этот стиль был полной противоположностью туманному, лиричному прохладному джазу с блюзовой грустной основой. Звездами органа в рамках этого стиля стали Джимми Макгрифф, Чарльз Эрланд, Ричард «Грув» Холмс, Лес Мак-Кейн, Дональд Паттерсон, Джек Макдафф и Джимми «Хаммонд» Смит. Музыканты, исполнявшие музыку соул-джаз, составляли трио или квартеты, но не более того. Не меньшую роль в соул-джазе играл саксофон-тенор. Выдающимися музыкантами-саксофонистами были Джин Эммонс, Эдди Харрис, Стэнли Террентайн, Эдди "Столбняк" Дэвис, Хьюстон Персон, Хенк Кроуфорд и Дэвид "Болван" Ньюман. Соул-джаз не является аналогом соул-музыки. Это музыкальные стили, которые берут начало в разных музыкальных направлениях: соул-джаз – в госпеле и бибопе, а соул-музыка – в ритм-энд-блюзе, который достиг расцвета лишь в 1960-х годах.
Грув стал разновидностью соул-джаза. Этот джазовый стиль часто обозначают также как фанк. Этот стиль отличается яркими танцевальными ритмами (медленными или быстрыми), лиричностью, позитивностью мелодии, в которой присутствуют блюзовые оттенки. Это позитивная музыка, создающая хорошее настроение и призывающая публику не стоять на месте и начинать двигаться в ее захватывающих ритмах. Стилю не чужды импровизации, которые, однако, не выбиваются из коллективного звучания. Яркими музыкантами этого стиля стали мастера органа Ричард «Грув» Холмс и Ширли Скотт, Джин Эммонс (саксофон-тенор) и Лео Райт (флейта, саксофон-альт).
Свободный джаз («Новая Вещь») появился в конце 50-х годов 20 века в результате экспериментов, которые позволили найти очень гибкую музыкальную форму, совершенно свободную от последовательностей аккордов. Кроме этого, музыканты игнорировали свинг. Настоящей революцией в ритмике стало невнимание к пульсации, метру и груву, которые являлись до этого основой джазовых ритмов. В этом стиле они стали второстепенными. Свободный джаз отказался от привычной тональной системы, музыка в этом стиле атональна. Основоположниками свободного джаза являются саксофонист Орнетт Коулмен и пианист Сесил Тэйлор, а позже «Sun Ra Arkestra» и «The Revolutionary Ensemble».
Криэйтив-джаз является одной из разновидностей авангардного джаза. Этот стиль родился, как и многие другие, в результате экспериментаторской деятельности музыкантов в 60 –70-е годы 20 века. Он не многим отличается от свободного джаза. В этой музыке невозможно было разграничить тему и импровизацию. Импровизационные элементы сливались с аранжировками, плавно вытекая из них. Невозможно было понять, где начало, а где конец импровизации солиста. Основоположниками криэйтив-джаза были пианист Лени Тристано, саксофонист Джимми Джоффри, мелодист Гюнтер Шулер. В этом стиле играют пианисты Пол Блей, Эндрю Хилл, мастера саксофона Энтони Бракстон и Сэм Риверс, а также музыканты «Art Ensemble of Chicago».
Фьюжн (сплав) – джазовый стиль, который берет свое начало в 1960-х годах, когда джаз стал соединяться с популярной музыкой и роком, а также находился под влиянием соула, фанка, ритм-энд-блюза. В начале название фьюжн применяли к джаз-року, яркими представителями которого были группы «Eleventh House», «Lifetime». Появление фьжна связано также с оркестрами «Mahavishnu Orchestra», «Weather Report». Фьюжн – это сплав джаза, свинга, блюза, рока, поп-музыки, ритм-энд-блюза. Фьюжн – это зрелищность, это фейерверк различных стилей. Это яркая, разнообразная, легкая, интересная музыка. Фьюжн - во многом эксперимент и, нужно сказать, удачный. Яркими музыкантами этого джазового стиля стали барабанщик Рональд Шаннон Джэксон (Ronald Shannon Jackson), гитаристы Пат Метэни (Pat Metheny), Джон Скофилд (John Scofield), Джон Аберкромби (John Abercrombie) и Джеймс "Блад" Элмер (James "Blood" Ulmer), саксофонист и трубач Орнетт Коулмен (Ornette Coleman).
Постбибоп – это джазовый стиль, который появился в 1960-е годы на волне подъема популярной музыки. Постбипоп сформировался на основе фанка (грува, соула) с использованием отдельных элементов латинской музыки. Представителями постбибопа стали саксофонист Джо Хендерсон, пианист Маккой Тайнер, Диззи Гиллеспи, саксофонист Уэйн Шортер.
Эйсид-джаз – этот не вполне джазовый стиль появился в 1987 году. Его основу составил фанк, который переплетается с элементами бибопа, хип-хопа, соула и латино. Это танцевальная музыка Британии, в которой есть ритмы, но совершенно отсутствует импровизация. Именно поэтому эйсид-джаз многие не включают в список джазовых стилей. Яркими представителями эйсид-джаза стали «Groove Collective», «Guru», Джеймс Тэйлор, а также трио «Medeski, Martin & Wood» в начальный период творчества.
Смус-джаз – этот родственник джаза возник на основе стиля фьюжн. Смус-джаз характеризуется отсутствием сольных партий и импровизации. Звучание целого коллектива важнее, чем звучание отдельных его представителей. Смус-джаз исполняется на синтезаторе, альте, саксафоне-сапрано, гитаре, бас-гитаре и ударных. Представителями этого стиля являются Крис Ботти, Ди Ди Бриджуотер, Ларри Карлтон,Стенли Кларк, Эл Ди Меола, Боб Джеймс, Эл Джарро, Дайана Кролл, Брэдли Лайтон, Ли Ритенур, Дейв Грузин.
Знаменитый джазмен. Его считали живым гением. Он был не только музыкантом, но и литератором. Паркер оказал влияние практически на всех джазовых музыкантов своего и не только своего времени.
Паркер появился на свет в 1920 году в Канзас-Сити. Его отец исполнял небольшие роли в водевилях, а мать работала медсестрой. Учась в школе, он играл на духовом баритоне и кларнете в школьном оркестре. Музыка давалась мальчишке с трудом. Многие над ним смеялись. Паркер увлекался джазом, болел им и хотел его исполнять. Инструмент, которым он мечтал овладеть, - альт-саксофон. Ему исполнилось пятнадцать лет, когда этот инструмент появился у мальчишки. Он даже бросил школу, мечтая профессиональным музыкантом.
Овладев саксофоном, Паркер стал подрабатывать на танцах. Но плата за его работу была мизерной. Публика высмеивала ошибки молодого музыканта, который от смущения закусывал губу. Его прозвали «ярдберд», что переводится как дворовая пташка, салага, нахаленок. Но время шло. Музыкант совершенствовал свое мастерство. И уже джазовые музыканты стали называть его «Бёрд», что значит «Пташка.
"Музыка - это твой собственный опыт, твоя мудрость, твои мысли. Если ты не живешь ею, то из твоего инструмента никогда ничего не выйдет. Нас учат, что у музыки есть свои определенные границы. Но искусство границ не имеет..." - Чарлз Паркер.
Чарли ушел от родителей и стал зарабатывать на жизнь музыкой. Он постоянно переходил из одного джаз-бэнда в другой. Он объездил множество городов. Но однажды молодой музыкант приехал в Нью-Йорк. Шел 1940 год. В это время джазмены частенько собирались после концертов на джаз-сейшены, чтобы помузицировать в свое удовольствие. Пракер стал участвовать в таких мероприятиях. Однажды он играл в сопровождении гитариста и заметил, что делает акценты на верхние тона сопровождающих аккордов. Он долго искал музыку, которая у него наконец-то стала получаться. Эту музыку позже назовут бибопом, рибопом или бопом. Паркер был одним из основоположником нового стиля джазовой музыки, который родился в ночных заведениях Гарлема. Бибоп – это название музыки, которая отличается «захлопыванием» звуков в конце музыкальной фразы. Это делает музыку чрезвычайно ритмичной и насыщенной.
Манера исполнения бибопа Пракером была поистине уникальна. Он настолько виртуозно владел инструментом, что многие даже не путались повторить то, что он выделывал на своем саксофоне. Он играл, как будто находился в свободно полете.
Паркер стал особенно популярен после войны. В 1946 году на волне успеха Паркер попал в больницу (виноват алкоголь). После этого музыканты купили Паркеру новый инструмент, и уже в 1949 году принял участие джазовом фестивале в Париже. После чего Паркер начал гастролировать по миру. Но снова оказался в больнице. Его тяга к алкоголю сгубила музыканта. Психика Паркера была неустойчивой. Он даже несколько раз пытался осуществить самоубийство. Умер Паркер 12 марта 1955 года, оставив после себя огромное джазовое наследие. Он по праву считается одним из основателей современного джаза. barracuda18659
Все файлы расположенные на проекте matrix.clan.su были взяты из открытых источников. Все материалы на проекте предназначены исключительно для ознакомления, без целей коммерческого использования. Все права на публикуемые аудио, видео, программные, текстовые и графические материалы принадлежат их владельцам и администрация не несет ответственность за их использование. Ни администрация проекта, ни хостинг-провайдер, ни любые другие лица не могут нести ответственности за использование материалов данного сайта! Входя на проект matrix.clan.su вы автоматически соглашаетесь с данными условиями.
.
