Всем известен математик Пифагор. Но мало кто знает, что именно Пифагор изобрел инструмент, явившийся прапрапрадедушкой хорошо известного нам рояля. Струна была известна человеку задолго до Пифагора. Резонатор для усиления звучания струны тоже не был новинкой для ученого. Пифагор лишь соединил известные вещи так. как ему было нужно для его опытов. Вряд ли мог подумать Пифагор, что сконструированный им прибор станет музыкальным инструментом. Простым. с очень небольшими возможностями. но инструментом. В средние века монохорд получил широкое распространение. Правда, внешне это был уже не монохорд. Ящик стал плоским, его делали таким для того, чтобы было удобнее держать инструмент на коленях. Дерево для ящика стали выбирать придирчиво, стремясь к красоте звука. И что самое главное, постепенно прибавлялись струны - их стало две, потом три, четыре. Хотя прежнее название - в переводе на русский язык "однострунник" - сохранялось еще долго. Наконец музыкантам надоело мириться с ограниченными возможностями инструмента. Что было делать? Только одно - прибавлять и прибавлять струны. Но теперь как то неудобно стало сохранять прежнее название. Многострунный инструмент разошелся по разным народам с разными названиями. Например, у русских он стал называться гусли, у карелов - кантеле, у армян - канон. Ящик был уже не прямоугольным, а треугольным или трапецевидным. Инструменты украшали резьбой, инкрустацией, струн стало значительно больше. Играли на этих инструментах по-разному. Чаще всего защипывали струны пальцами. Иногда на пальцы надевали специальные полукольца с металлическими перышками - плектры. Звук при игре плектрами получался громче. На некоторых инструментах играли палочками или деревянными молоточками, обтянутыми кожей. А к одному из ящиков присоединили клавиатуру. Это изобретение стало вехой в истории музыки: родился новый инструмент, который и сам прожил яркую жизнь и продолжил ее в клавесине и фортепиано. Это был клавикорд.
Перевести это название можно, как "клавишеструнник". До появления клавикорда клавиатура была только у органа, она могла вызвать ассоциацию только с трубами, но никак не со струнами. И вот появляется инструмент, в котором клавиши управляют струнами. История первого органа началась в одиннадцатом веке с инструмента со странным названием "английская шахматная доска". Одни считают, что на крышке инструмента была изображена шахматная доска, чтобы он мог использоваться не только для музицирования, но и для игры в шахматы. Другие предполагают, что чередование коротеньких черных и белых клавиш напоминало клетки шахматной доски.
Клавикорд сохранился в некоторых семьях до самой недавней поры, а, может, и сейчас он у кого-нибудь есть. Я разговаривала с женщиной, которая слышала музыку, исполняемую на клавикорде, когда была еще девочкой. Играла ее бабушка. Звуки клавикорда произвели на девочку столь сильое впечатление, что она сохранила его на всю жизнь. А мне самой слышать клавикорд не приходилось. Только видела его в музее, но там. сами понимаете, не только играть, но и прикасаться к нему нельзя.
Внешне клавикорд представлял собой поначалу все тот же невысокий ящик, который во время игры музыкант ставил на колени. Потом клавикорд стал настольным, а позже он приобрел собственные ножки. До самого последнего времени можно было встретить клавикорды самых разных размеров. Самые маленькие были величиной с книгу. Он обладал диапазоном в одну октаву, этого хватало для несложных мелодий. А большие комнатные инструменты имели обширный диапазон - до четырех с половиной октав. Инструменты украшались резьбой. инкрустацией, мозаикой, росписью. В музеях можно видеть удивительные по красоте инструменты. Может. и был бы жив клавикорд до сих пор, если бы не его слишком тихий звук. Выпадет возможность побывать в каком - нибудь из музыкальных музеев - найдите там клавикорд. Обычно он стоит скромно где-нибудь в углу, и, если это простой, а не богато украшенный инструмент, с первого взгляда никак не скажешь, что вот такой ящик со струнами и клавишами знал искреннюю привязанность людей восемь столетий подряд. barracuda18659
Уже в 15-16 веках клавесин сильно отличался от клавикорда. Мастера установили на задних концах клавиш вертикальные деревянные брусочки с перышками вверху. Перышки заставляли звучать струну не ударом, а щипком. Инструмент стал обладателем более громкого голоса. Он был способен выступать в большом зале, чего не мог делать клавикорд. Поэтому в 16 в. клавесин распространился во многих странах Европы. Клавесин стал, в основном концертным инструментом, хотя не гнушался и гостиных в домах зажиточных людей. На первых клавесинах устанавливались жильные струны. Позже стали устанавливались стальные струны. Много экспериментировали мастера с перышками, которые заставляют звучать струну. Сперва это были перышки в буквально смысле: заточенные кусочки стволов вороньих или индюшачьих перьев. Потом перышки стали делать из кожи, а позже - из латунных и стальных пластинок. Ствол вороньего пера, как и пера любой другой птицы, очень быстро портился от столь несвойственной ему работы, кожаные держались гораздо дольше, а металлические и вовсе не изнашивались.
Клавесины делались самых разных размеров. В больших инструментах неодинаковая длина струн диктовала форму корпуса - инструмент все больше стал походить на современный рояль. А в маленьких клавесинах, где разница в размере струн была не такой большой, корпус оставался прямоугольным. Иногда клавесины делались совсем маленькими и оформлялись в виде шкатулок, ларцов, книг. Но иногда мастера не прибегали к ухищрениям и делали просто маленькие инструменты. Диапазон их не превышал полутора октав. Насколько миниатюрными были инструменты можно судить по одному любопытному экспонату, хранящемуся в музее музыкальной культуры им. Глинки. Это дорожный шкаф с маленькими выдвижными ящиками, и тут под ящичками смонтирован клавесин. Дороги тогда были долгими, поэтому хитроумный хозяин шкафа решил заказать себе такой инструмент - и места лишнего не занимает, и позволяет хоть как-то отвлечься от дорожной скуки.
Убедившись, что струны из разных материалов дают разный тембр, а он в свою очередь зависит еще и от материала перышек, мастера старались совместить все находки в одном инструменте. Так появились клавесины с двумя, тремя клавиатурами, расположенными одна над другой. Каждая из них управляла своим набором струн. Один набор мог состоять из жильных струн, другой - из стальных одинаковых, третий из стальных сдвоенных. Так разнообразился тембр клавесина. Итальянский мастер Н.Вичентано сконструировал клавесин с шестью клавиатурами. Но как не старались мастера, они не могли преодолеть основной недостаток клавесина - его однообразное по громкости звучание. Были скованы и композиторы не могли указать "фортиссимо", то есть "очень громко" или "пиано", что значит "тихо", ибо знали, что на такие нюансы инструмент не способен.
Назревала идея нового инструмента, который сохранил бы все достоинства клавесина, а , точнее клавишеструнника, но вдобавок стал бы более послушен то энергичным, то мягким движениям пальцев музыканта. Иначе говоря, мог бы звучать "форте" и "пиано". Стоит ли удивляться, что новый инструмент так и стал называться - фортепиано? barracuda18659
Предшественником фортепиано был не клавесин, а клавикорд. В клавикорде, как и в фортепиано происходит удар молоточка по струне, а в клавесине струна защипывается. Поэтому и клавикорд и фортепиано относятся к струнно-клавишно-ударным инструментам. Изобретение фортепиано принято связывать с именем флорентийца Бартоломео Кристофори. Но не он один причастен к рождению фортепиано.В Германии отцом фортепиано считают Готлиба Шретера, а во Франции - Жана Мариуса. Первые инструменты были настолько несовершенными, что о безоговорочном признании не могло быть и речи. Жан Мариус, например, не предусмотрел глушители для струн, и во время игры их звучание сливалось в сплошной гул. У инструментов Шретера все было наоборот: струны заглушались так быстро после удара, что певучая мелодия не получалась. Поэтому инструмент Кристофори и оказался более удачным если не сам по себе, то хотя бы по сравнению с другими. А кроме того он был продемонстрирован публике раньше. чем инструменты Мариуса и Шретера. Бартоломео Кристофори работал хранителем и реставратором музея музыкальных инструментов во дворце флорентийского герцога Медичи. Однажды гостям герцога объявили, что их ожидает сюрприз. Изобретенное Кристофори фортепиано и было тем сюрпризом. Но ожидаемой радости не получилось. Фортепиано гостям не понравилось. Его звучание показалось грубым по сравнению с клавесином и клавикордом.Вряд ли кто из гостей мог подумать, что присутствует при рожлении инструмента, которому уготовано столь блестящее будущее.
Больше повезло новому инструменту в Германии. Музыкальный мастер Годфрид Зильберман, державший в Дрездене клавесинную фабрику, наладил производство фортепиано, усовершенствованных и им самим и его фабричными работниками.Зильберман показал один из своих инструментов Иоганну Себастьяну Баху, но ожидаемой похвалы не получил. Бах откровенно сказал, что фортепиано звучит грубо и примитивно. Правда, через двадцать лет Зильберман снова продемонстрировал фортепиано Баху, постаравшись выбрать для этого лучшие образцы, и великий маэстро на сей раз высказался значительно мягче, но трудно судить сейчас, был ли он искренен или просто не хотел вторично огорчать Зильбермана.
Мало- помалу фортепиано прокладывало себе дорогу. Появилась чугунная рама, сильно натянутые на ней струны зазвучали гораздо лучше. Прошло каких то 20 лет- и вновь серьезное усовершенствование. Деревянные молоточки, обтянутые раньше лосиной кожей, обтянули фильцем - высококачественной разновидностью технического войлока. Тембр звука стал значительнее мягче. И, наконец, через полтора десятка лет обнаружили, что если струны натянуть не параллельно друг другу, а так, чтобы они чуть-чуть расходились от того места, где расположены молоточки, к заднему краю инструмента, звук получается лучше. Струны легли не в одной плоскости, а в двух. Басовые пошли от левой части молоточкового механизма к заднему правому углу инструмента, а тонкие расположились перекрестно к басовым и шли под ними - от правой части механизма к заднему левому углу. От этого улучшился резонанс деки. Вот теперь это было то фортепиано, которое мы знаем: с сильным, полным, благородным звучанием. barracuda18659
Гитара – один из старейших музыкальных инструментов. Предшественницей гитары считается лютня – инструмент, который был широко распространён в средние века. Со временем стали появляться разновидности лютни, которые постепенно видоизменялись, совершенствовались и дошли до наших дней в виде гитары, мандолины и других щипковых инструментов. На гитаре постепенно учились исполнять репертуар лютни, использовали многие приёмы игры. Сначала гитара имела четыре струны, как лютня, но постепенно струны к ней добавлялись и появились пятиструнные, затем шестиструнные гитары. Начиная с XVII века, гитара была очень популярным инструментом, особенно в странах Западной Европы и Латинской Америки. Гитара – самый массовый музыкальный инструмент. Людей, играющих на гитаре, пусть хотя бы на уровне нескольких аккордов, гораздо больше, чем играющих на любом другом инструменте. Это самый разносторонний инструмент. Если взять аккомпанемент – то он может быть очень разным. Для сопровождения студенческой, бардовской, авторской песни достаточно первоначального владения несколькими аккордами. В то время как для игры аккомпанемента романсов нужно владеть инструментом профессионально. На гитаре можно играть музыку различных направлений. Например, цыганская музыка в исполнении странствующих цыган-гитаристов это самостоятельное искусство. Темп цыганской музыки своеобразен: вначале очень медленный, постепенно ускоряется и доходит почти до придела возможностей музыканта, затем следует резкая остановка и все начинается сначала. Цыганские песни и танцы смешались с испанской манерой исполнения. Это сильно повлияло на становление другого вида гитарного искусства – фламенко. Фламенко на гитаре – это чередование мелодии и аккордов. Причем настолько быстрое, что на большинстве других инструментов сыграть это нельзя. Такая игра возможна благодаря особым приемам. Существует еще один вид гитары, который не слишком распространён в мире и почти не известен у нас. Это гавайская гитара. В принципе, это обычная гитара. Её кладут на колени, а музыку извлекают с помощью специальных напёрстков в правой руке и металлической пластины в левой. Звучание гавайской гитары поющее, вибрирующее, напоминающее человеческий голос. Доступна гитаре и джазовая музыка, которая до двадцатых годов принадлежала ранее другому инструменту – банджо. Классическая гитара может всё. На ней можно исполнять музыку различных направлений. Для неё написано огромное количество произведений, в том числе и концерты с симфоническим оркестром. В дуэтах, трио и небольших ансамблях гитара прекрасно сочетается с другими инструментами: скрипкой, мандолиной, домрой, балалайкой. Такому ансамблю доступен широчайший репертуар – от простых обработок народных песен до сложных произведений. Родилась гитара семьсот лет назад. В истории её развития можно проследить пять периодов. Условно им дали такие названия: становление, застой, возрождение, упадок, расцвет. Становление проходило в течение полутора столетий. Примерно до четырнадцатого века. Гитара вытеснила некоторые примитивные инструменты, появился собственный репертуар и этот инструмент стал одним из любимых инструментов в Испании и некоторых других европейских странах. А в это время арабы завезли в Европу лютню, которая обладала развитыми приёмами игры и обширным репертуаром. Музыканты европейских стран принялись совершенствовать её, писать новую музыку. Это способствовало началу периода застоя. Но эти трудности не сломили и не вытеснили гитару совсем. Она постепенно научилась исполнять богатейший репертуар лютни, воспользовалась многими её приёмами, и к середине XVIII века начался обратный процесс, т.е. возрождение. Возможности двух инструментов примерно одинаковы, но на гитаре играть было удобнее, чем на лютне благодаря узкому и длинному грифу. Репертуар для гитары стал несравненно шире, чем был раньше. Но в концертных залах на гитаре исполняется и старинная лютневая музыка, а сама лютня сейчас такой же редкий инструмент как клавесин или клавикорд. Популярные, прославленные музыканты того времени помогли процессу возрождения. Превосходно играл на гитаре Николо Паганини. «Я король скрипки, – говорил он, а гитара моя королева». Он написал немало произведений для гитары – романсы, сонаты, вариации, включал гитару в свои квартеты вместе со скрипкой, альтом и виолончелью. Паганини посвятил три года изучению этого инструмента, но публично с гитарой никогда не выступал, т.к. конкурентов-гитаристов было немало, а достойных соперников на скрипке не было. Играли на гитаре и писали для неё, а также использовали в своих операх такие известные композиторы как Карл Вебер, Джузеппе Верди. В записках Гектора Берлиоза упоминается, что он обязан гитаре своим первоначальным образованием. По воспоминаниям современников, композитор мастерски играл на ней. Хорошо владел гитарой Шуберт. Он нередко аккомпанировал себе. Играл на гитаре и оставил для неё сочинения пианист, органист, композитор Диабелли. Период возрождения гитары дал музыкантов, целиком посвятивших себя этому инструменту. Наиболее выдающийся из них – итальянский исполнитель, композитор и педагог Мауро Джулиани. Родился он в городе Болонье в 1781 году. В двадцать лет стал одним из лучших итальянских гитаристов. Он успешно гастролировал на родине и в других странах. В 1807 году Джулиани приезжает в Вену, где не только выступает, но и сочиняет музыку, т.е. пишет свои собственные произведения для гитары и занимается педагогической деятельностью. Среди его учеников самые высокопоставленные вельможи Вены, среди друзей – известные музыканты – пианисты, скрипачи. Среди почитателей его таланта композиторы И. Гайдн, Л. Бетховен. В 1808 году Джулиани выступает со своим «Третьим концертом». Партия гитары была насыщена виртуозной техникой, и вполне отвечала духу того времени. Этим выступлением Джулиани доказал, что гитара на концертной эстраде может соперничать со скрипкой и фортепьяно. Но важнейшее наследие Джулиани – это его этюды. И сейчас, пожалуй, нет ни одной школы игры на гитаре, которая не содержала бы этюдов Джулиани. Именно в его времена окончательно оформилась та гитара, которую мы сейчас называем классической. (Приложение №1) Другим не менее известным гитаристом был Фернандо Сор. Родился в 1778 году в Барселоне, а умер в Париже. Его композиции для гитары считаются апогеем классического периода шестиструнной гитары. За певучую манеру игры Сора современники именовали «Мендельсоном гитары». Несколько лет Сор жил в России, в Москве – с 1823 по 1828 год. Приехал он вместе с женой балериной – танцовщицей Королевской академии музыки в Париже, которая очень много сделала для становления русской балетной школы. Сор, в отличие от Джулиани, не думал посвящать себя исключительно гитаре, хотя концерты его всегда вызывали большой интерес. Он писал симфонии, оратории, оперы, балеты. Его жена – Гюллень Сор была первой танцовщицей и балетмейстером Императорского московского театра – ставила в основном балеты своего мужа. В 1825 году состоялось открытие Большого театра, а чета Соров сыграла немалую роль в этом торжестве. Фернандо Сор одним из первых открыл в гитаре широчайшие полифонические возможности. Однако время рассудило по-своему, именно гитарная музыка, в сравнении с другими сочинениями, осталась жить, а вся остальная почти забыта. (Приложение № 2) Выдающимся педагогом гитары периода её возрождения был итальянец Маттео Каркасси (1792-1859). Его игра отличалась виртуозность и элегантностью. Он очень полно освоил особенности и возможности этого инструмента и «Школа игры на гитаре» до сих пор служит одним из основных пособий. Некоторые этюды и пьесы используются в гитарной школе (Приложение №3). Известным педагогом, виртуозно владеющим инструментом и составителем еще одной «Школы игры на гитаре» является ещё один соотечественник Фернандо Карулли (1770-1841). Он сочинил около четырехсот произведений, некоторые из них не потеряли художественной ценности и в наше время. (Приложение № 4) Хочется уточнить, что все эти гитаристы не имели какой-то преемственности – они учились у самих себя. Однако при этом все они были профессиональными и образованными людьми. К середине XIX века после многих усовершенствований основным инструментом концертных залов становится рояль. Прочно удерживает свое место и скрипка. Для гитары наступает время упадка. Выступления гитаристов привлекает всё меньше и меньше слушателей. Гитара во всех странах ушла со сцены, кроме Испании. С 1860 года в России упадок гитары сказывался также очень остро. Распадались общества гитаристов. Почти перестала издаваться нотная литература для гитары, из музыкальных учебных заведений этот инструмент изгоняли, и постепенно всё преподавание перешло в руки частных учителей, не слишком квалифицированных и не всегда добросовестных. Но и в тяжелые годы для гитары находились подлинные энтузиасты этого инструмента. Один из них Петр Агафошин. Ещё в детстве он научился играть на семиструнной гитаре у своего отца, позже брал уроки у преподавателя. Самостоятельно, по школе Каркасси, освоил классическую шестиструнную гитару. Агафошин изыскивал любую возможность, чтобы выступить в концерте. Кроме того, давал уроки певцам, желавшим освоить гитарный аккомпанемент. С 1928 года в России вышла его книга «Новое о гитаре», затем была издана школа игры на гитаре. Агафошин преподавал гитару в музыкальном учебном заведении, составлял и издавал нотные сборники. Делал переложения произведений композиторов классиков. Учеником Агафошина был выдающийся советский гитарист Александр Иванов-Крамской (1912-1973) – сын технического служащего гимназии. До 22 лет жил на Тамбовщине в деревне. В музыкальной школе учился по классу скрипки. После окончания музыкального техникума прошел курсы повышения квалификации. В 1935 году призывался в армию, где служил дирижёром оркестра народных инструментов. После службы работал руководителем оркестра народных инструмент, выступал в качестве солиста и занимался педагогической деятельностью. Принимал участие как гитарист в опере Верди «Отелло» в Большом театре и в театре Красной Армии. В 1936 году в Москве проводился конкурс в честь Х съезда комсомола, где он стал дипломантом. В это время по инициативе Берии, в противовес ансамблю имени Александрова, создавался ансамбль НКВД, в котором Иванов-Крамской был дирижёром. Кроме того, он признанный солист- гитарист, композитор и педагог. В 1959 году ему было присвоено звание заслуженного артиста РСФСР. Для России наступил период расцвета гитарного искусства. Педагогическая деятельность Иванова-Крамского была также плодотворной. Многие ученики, вышедшие из самодеятельности, стали исполнителями и педагогами. В 1957 году на VI Всемирном фестивале молодежи в Москве на конкурсе гитаристов квартет Иванова-Крамского получил диплом III степени. Достоинством авторских сочинений его являются пьесы для начинающих, а также многие оригинальные пьесы до сих пор охотно включаются в репертуар отечественных гитаристов – классиков. К тому же, он до сего времени является единственным отечественным гитаристом-шестиструнником, который удачно обработал русские народные песни и переработал зарубежную классику (Приложение № 5). В 1960 году решением Министерства Культуры были открыты классы гитары в музыкальных училищах. Вообще благодаря энергичной деятельности А. М. Иванова-Крамского авторитет гитары, её популярность в нашей стране сильно возросли. Говорят, что классическая, серьёзная музыка сложна и непонятна, что она скучна и утомительна. В последние годы, особенно среди молодежи, все чаще приходится слышать о том, что серьезная музыка устарела, отжила свое время, вышла из моды, утратила актуальность. Ссылаются на то, что классика понятна, но не современна, а современная серьезная музыка может быть и актуальна, но непонятна. Наконец, просто отвергают претензии музыки на что-либо, кроме развлечения. Многие из этих утверждений лучше всего опровергает история музыки. Ни в одну из великих исторических эпох развлечение не было главным, тем более единственным делом музыки. При этом музыка Баха или Моцарта, Глинки или Чайковского отнюдь не казалась их современникам ни непонятной по содержанию, ни недоступной по форме. Проблемы, к которым обращались великие музыканты, вовсе не устарели. А искренности и глубине, с которой они осмысляли эти проблемы, наша эпоха могла бы позавидовать. Справедливо говорится, что великое искусство всегда современно. На наших глазах складывается принципиально новая музыкальная культура понимание которой и невозможно с позиций, выработанных на материале и в социальных условиях прошлой музыкальной эпохи. Музыке, которая в прошлом веке звучала для нескольких сот человек, собравшихся в концертном зале, а то и нескольких десятков, заполнивших салон, в нашем веке представилась возможность объединять человечество. Но если в салон или концертный зал приходили люди, и жизнью, и уровнем знаний и общей культуры подготовленные к встрече с музыкой, то сейчас величайшие произведения музыки в наилучшем исполнении звучат перед сотнями миллионов не всегда готовых к ее восприятию людей. barracuda18659
Все файлы расположенные на проекте matrix.clan.su были взяты из открытых источников. Все материалы на проекте предназначены исключительно для ознакомления, без целей коммерческого использования. Все права на публикуемые аудио, видео, программные, текстовые и графические материалы принадлежат их владельцам и администрация не несет ответственность за их использование. Ни администрация проекта, ни хостинг-провайдер, ни любые другие лица не могут нести ответственности за использование материалов данного сайта! Входя на проект matrix.clan.su вы автоматически соглашаетесь с данными условиями.
